Lee Miller (exhibition 2026) Le Musée d’Art Moderne de Paris

 

Sous la direction de Hilary Floe assistée de Saskia Flower: Lee Miller. Catalogue d'exposition. Hard cover. EAN 9782759606313. 1,5 kg. ISBN 2759606317. 260 pages. 23,8 x 29,1 x 3 cm. This edition in French only. Musée d'Art Moderne de Paris / Paris-Musées 2026. Cover art: Lee Miller: Model with Lightbulb (vers 1943). Vogue studio, London. © Lee Miller Archives England 2026. All Rights Reserved. 

Lee Miller

Le Musée d’Art Moderne de Paris

    11 Avenue du Président Wilson 75116 Paris, M° Iéna Ligne 9

"Based on the initiative of Tate Britain and in collaboration with the Art Institute of Chicago, the exhibition brings together almost 250 old and new prints, several which are on display for the first time, and proposes a new view on the œuvre of Lee Miller."

From 10 April through 2 August 2026.

Tuesday to Sunday at 10-18, Thursday until 21.30.

    Visited 10 April 2026

At the Art Institute of Chicago, the exhibition is on display from 29 August through 7 December 2026.

OFFICIAL: "A key figure of the international avant-garde, Lee Miller (Elizabeth Miller, Lady Penrose, 1907 Poughkeepsie, USA – 1977 Chiddingly, UK), was by turns a model, a Surrealist artist, portraitist, fashion photographer and war correspondent accredited by the US Army. Long relegated to the role of muse, she is now recognized as one of the great photographers of the 20th century."

"The exhibition traces her entire career, from her New York beginnings to her war years in Europe, including her time in Egypt and her life in London. It demonstrates the richness of a body of work where formal experimentation, visual audacity, and political engagement coexist."

"Eighteen years after the last French retrospective at the Jeu de Paume, the Musée d'Art Moderne de Paris offers a journey in six parts, combining a chronological and thematic approach."

I  Face à l'objectif / Before the Camera

II  Rêves d'Eros / Dreaming of Eros

III  Un regard surréel / A Surreal Gaze

IV  Nouvelles visions / New Visions

V  Artistes et amis I / Artists and Friends I

VI  Sombre Gloire / Grim Glory

VII  Voici Vogue, malgré tout ! / Here Is Vogue, In Spite of All

VIII  Sur le front / In the Field

IX  C'es pourtant vrai ! / Believe It

X  Séquelles / Aftermath

XI  Artistes et amis II / Artists and Friends II

XII  Salle de projection / Screening Room

XIII  Espace découverte / Interpretation Room   

AA: This is my first Lee Miller exhibition. We are among the first in line when it opens for the public at the Palais de Tokyo, near the Palais de Chaillot at the Place du Trocadéro, by the river Seine, facing the Eiffel Tower.

The spell is cast at once with Le Sang d'un poète (1930) by Jean Cocteau. The armless statue (Lee Miller) at the room of the poet (Enrique Rivero) invites him to jump into the mirror to discover another world.

As a photographer's model, Lee Miller works with luminaries such as Arnold Genthe, Edward Steichen, Cecil Beaton and George Hoyningen-Huene. Man Ray brings her into the heart of Surrealism, and she becomes a professional photographer herself, also in the inspiration of "rayogrammes" and solarisation.

The Dreams of Eros space displays naked frankness without dispelling the mystery of sex. This is a mutual journey between Man Ray and Lee Miller, even delving into the BDSM arena. A poet is born. A surreal, sensual and playful inspiration remains when Miller establishes her own commercial studio in New York City. Julien Levy organizes the only Miller autograph exhibition of her life. 

During her marriage with the Egyptian businessman Aziz Eloui Bey she launches a visionary cycle about Egypt and the Middle East, on display in the Nouvelles visions sequence. She covers fashion for Vogue. 

Above all she excels in portraits. She photographs fellow Surrealists including Leonora Carrington, Joseph Cornell and René Magritte. She records the African-American cast of the opera Four Saints in Three Acts. Charles Chaplin is delighted when Lee Miller gives him the Surrealist treatment. Jean Cocteau and Pablo Picasso are among Miller's models across decades. A favourite of mine is a photo of Picasso with Lee Miller's son Antony Penrose at Vallauris in 1954.

During the Second World War, Miller becomes a photojournalist and a war correspondent for Vogue, dedicated to document historical evidence. To this key stage of her life, four sequences are dedicated. Grim Glory covers the Battle of Britain / the Blitz. 

In the sequence called In the Front we witness the liberation of France following D-Day, the Battle of Saint-Malo, field hospitals in Normandy. Teaming up with David E. Scherman (who worked for Life magazine), she photographs the liberation of Paris, the Battle of Alsace and the liberation of the concentration camps of Buchenwald and Dachau.

The horror chamber of the exhibition is C'est pourtant vrai ! Visiting the concentration camps for the first time, Miller cannot believe her eyes. She had embarked on her journey to witness and document evidence but did not begin to guess the magnitude of the crime of the century, not yet known by the words the Holocaust or the Shoah.

In the Aftermath sequence we see Miller documenting the devastation of war across Europe: Leipzig, Frankfurt, Berchtesgaden, Budapest, Cologne, Vienna... In Munich, Lee Miller and David E. Scherman occupy Adolf Hitler's apartment and photograph each other in the bathtub of the Führer. Besides the most legendary images, the full run of the contact sheet is on display.

The appreciation of Lee Miller the artist keeps rising. During her lifetime she was seldom exhibited, but Edward Steichen displayed her work in the path-breaking The Family of Man exhibition at MoMA (1955), which brought the art of the photography to a new level of respect.

Recent tributes to Miller in the cinema include Lee (Ellen Kuras, GB/US 2023) starring Kate Winslet as Lee Miller, and Civil War (Alex Garland, GB/US 2024) where both female war correspondents, Lee Smith (Kirsten Dunst) and Jessie Cullen (Cailee Spaeny) look up to Lee Miller as a role model.

The art and craft of the display is of the highest level. We live currently in the age of the domination of the Instagram. Art museums surrender to the supremacy of Silicon Valley IT behemoths. It is no longer possible to focus and concentrate on art. The bright screens of the mobile devices distract attention. Admittedly, this visit is not of the worst kind.

And fortunately, the catalogue is so excellent that it gives me the true Lee Miller experience.

OFFICIAL INTRODUCTION:

Du 10 avril au 2 août 2026, le Musée d’Art Moderne de Paris présente la plus importante rétrospective consacrée à Lee Miller en France depuis vingt ans.

Organisée à l’initiative de la Tate Britain et en collaboration avec l’Art Institute of Chicago, l’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes, dont plusieurs inédits, et propose un nouveau regard sur l’œuvre de Lee Miller.

Figure essentielle de l’avant-garde internationale, Lee Miller (1907, Poughkeepsie, États-Unis – 1977, Chiddingly, Royaume-Uni) fut tour à tour mannequin, artiste surréaliste, portraitiste, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Longtemps reléguée au rôle d’égérie, elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXème siècle.

L’exposition retrace l’ensemble de son parcours, de ses débuts à New York aux années de guerre en Europe, en passant par son séjour en Égypte et sa vie à Londres. Elle démontre la richesse d’une œuvre où cohabitent expérimentations formelles, audace visuelle et engagement politique.

Dix-huit ans après la dernière rétrospective française au Jeu de Paume, le Musée d’Art Moderne de Paris propose un parcours en six parties, mêlant approche chronologique et thématique. 

L’exposition

L’exposition s’ouvre sur un ensemble de portraits de Lee Miller réalisés par les plus grands photographes et cinéastes des années 1920 et 1930. Lee Miller s’impose comme une personnalité du New York de la fin des années 1920 à travers tout d’abord son activité de mannequin. Elle est l’un des modèles les plus recherchés par les magazines, figurant l’archétype de la femme moderne, émancipée et active. Lors de son séjour à Paris, ses liens avec les surréalistes la conduisent à jouer l’un des rôles principaux du premier film de Jean Cocteau, Le Sang d’un poète (1930-1932).

Le parcours se poursuit en examinant l’importance de son séjour parisien entre 1929 et 1932. Cette période est marquée par sa rencontre avec Man Ray, dont elle devient l’apprentie mais également la compagne. Leur intense collaboration explore la puissance érotique du médium photographique, et se matérialise notamment dans leur découverte conjointe de ce que Lee Miller appelait la « solarisation ». Également connue sous le nom d'effet Sabatier, la solarisation est une technique consistant à réexposer brièvement un tirage ou un négatif à la lumière pendant le traitement. Il en résulte une inversion partielle des tons de la photographie, créant un effet de halo onirique. Ce phénomène a été observé pour la première fois dans les années 1840, mais Man Ray et Lee Miller sont souvent considérés comme les premiers artistes à l'avoir utilisé de manière créative.

Lee Miller ouvre son propre studio et travaille comme photographe pour Vogue, affirmant ainsi son désir d’indépendance artistique. Ses photographies, singulières par leur goût pour les cadrages obliques et les rapprochements insolites, sont exposées dans les galeries parisiennes aux côtés des grands photographes de l'époque (Germaine Krull, Brassaï...).

Cette période très riche s’achève par son départ pour New York en 1932, où elle ouvre un nouveau studio. Sa première exposition personnelle est alors organisée par la galerie Julien Levy. Il n’y en aura pas d’autres de son vivant. Son activité de portraitiste, à laquelle deux sections sont dédiées, prend un véritable essor, et se poursuivra tout au long de sa vie. Elle reflète ses nombreux liens avec les milieux artistiques et littéraires.

En 1934, Lee Miller épouse l’homme d’affaire égyptien Aziz Eloui Bey et s’installe avec lui au Caire. Les photographies de cette période frappent par l’affirmation des motifs, des textures et des cadrages qui composent ses images. Loin de l’exploration de thèmes exotiques, Miller va davantage porter son attention vers les contrastes de matières et de formes, les changements de perceptions induits par les angles de prises de vues.

En 1937, la rencontre de Miller avec le peintre et poète surréaliste Roland Penrose l’éloigne progressivement de l’Égypte. Elle passe davantage de temps en Europe en compagnie de ses amis surréalistes. En 1939, au déclenchement de la guerre, elle choisit de rester à Londres et s’investit progressivement dans les publications du Vogue britannique en tant que photographe de mode. Cette section montre l’utilisation dans ses clichés des ruines et des bombardements de Londres. Elle participe par ailleurs à la publication en mai 1941 de l’ouvrage Grim Glory : Pictures of Britain Under Fire (Gloire lugubre, images de la Grande-Bretagne sous le feu), qui témoigne de la vie quotidienne pendant le Blitz en mêlant célébration patriotique et humour noir.

À l’hiver 1942, Miller est l’une des rares femmes photographes à obtenir une accréditation de correspondante de guerre par les États-Unis. Désormais, elle couvre directement le conflit et consacre de nombreux reportages aux femmes engagées dans la guerre : infirmières, membres de la défense anti-aérienne, aviatrices, qui paraissent aussi bien dans le Vogue britannique qu’américain.

Quelques semaines après le Débarquement de juin 1944, elle traverse la Manche pour suivre l’avancée des troupes alliées, et se trouve en première ligne sur le front, notamment lors de la libération de Saint-Malo. Ses photographies et ses articles dénoncent la violence du conflit. Le parcours montre la façon dont elle se distingue alors des reportages de guerre classiques, par le ton qu’elle emploie et son engagement très personnel. Son œil et sa sensibilité s’attachent davantage à des détails signifiants, qu’au théâtre des opérations militaires.

En avril 1945, aux côtés du photographe de Life David E. Scherman, Lee Miller se rend à Dachau et Buchenwald juste après la libération des camps. Accompagnés d’un article (Believe it – juin 1945), certains de ses clichés publiés dans Vogue font état de sa sidération. Les photographies de Lee Miller sont parmi les premières à révéler au grand public l’entreprise d’extermination de masse des nazis.

Le 30 avril 1945, juste après avoir photographié le camp de Dachau, Lee Miller se rend à Munich et entre dans l’appartement d’Adolf Hitler. Dans une photographie entièrement mise en scène et chargée de symboles, elle pose dans la baignoire du dictateur. Peu diffusée sur le moment, l’image est aujourd’hui considérée comme l’une des photographies les plus emblématiques de la fin du conflit mondial. Jusqu’en janvier 1946, Lee Miller photographie l’Europe et la Libération. Ces images reflètent la douleur et les privations mais également les laissés-pour-compte de la Libération, comme les femmes et les enfants. Miller confie ainsi à son éditrice : « Je préfère décrire les dégâts des villes détruites et des personnes blessées plutôt que de faire face au moral brisé et à la foi anéantie de ceux qui pensaient que “les choses allaient redevenir comme avant” ».

Les années qui suivent, Miller peine à se relever de son expérience de la guerre. La dernière section de l’exposition est consacrée à son installation à Farley Farm House (Sussex) avec Roland Penrose et leur fils Antony. Lee Miller poursuit tout d’abord ses reportages et photographies de mode pour Vogue, mais cesse peu à peu son travail commercial. Dans un cadre plus privé, elle continue à réaliser des portraits de ses proches, qui reflètent son engagement continu auprès de l'avant-garde internationale. Farley’s House, reflet du couple Miller-Penrose, devient un lieu important de rencontres artistiques au cours desquelles Lee Miller s’adonne à de nombreuses expérimentations culinaires, qui rendent souvent hommage à l’inventivité de ses amis.

Le catalogue

Le catalogue d’exposition édité par la Tate Britain à l’occasion de l’exposition est repris, traduit et adapté par les éditions Paris Musées. Il est pensé comme un nouvel ouvrage de référence sur l’œuvre de l’artiste. Il rassemble trois essais prolongeant les thématiques abordées dans l’exposition, rédigés par Damarice Amao, attachée de conservation au cabinet photo du musée national d’Art moderne, Hilary Floe, conservatrice en chef à la Tate Britain et commissaire de l’exposition Lee Miller et Fanny Schulmann, conservatrice en chef au Musée d’Art Moderne de Paris et co-commissaire de l’exposition Lee Miller. Il accueille également un texte de l’autrice britannique Deborah Levy.

L’exposition Lee Miller est organisée par le Musée d’Art Moderne de Paris du 10 avril au 2 août 2026, en collaboration avec la Tate Britain et l’Art Institute of Chicago.

L’exposition à la Tate Britain se tient du 2 octobre 2025 au 15 février 2026 et l’exposition à l’Art Institute of Chicago aura lieu du 29 août au 7 décembre 2026.

Avec la participation des Archives Lee Miller.

Avec le soutien de Sfil

Marilyn Monroe Centenary Exhibition (2026) La Cinémathèque française

The exhibition catalogue: Marilyn Monroe. Editions GrandPalaisRmn / La Cinémathèque française (2026). Sous la direction de Florence Tissot. 285 pages.

Marilyn Monroe

Exposition du 8 avril 2026 au 26 juillet 2026

La Cinémathèque française, 51 Rue de Bercy, 75012 Paris, M° Bercy Lignes 14, 6

    Vernissage, 7 April 2026

AA: La Cinémathèque française celebrates the centenary of Marilyn Monroe in grand style with a magnificent exhibition and a full retrospective, complete with expert guests and a substantial illustrated anthology catalogue with top essays (contents: see below).

The vernissage takes place on the first day of the full awakening of spring. "April in Paris", remembering Ella Fitzgerald, who thanked Marilyn in her memoirs for the support which opened all doors for her. After the show we were treated to a glass of Piper Heidsieck champagne, a favourite brand of Marilyn's, at the Café Lola terrace. No potato chips this time.

The mise-en-scène is a study in contradictions. Reality and magic. Comedy and tragedy. Authenticity and artifice. True confessions and factoids (a word coined by Norman Mailer). Key evidence of pop culture, transcending trivial premises into something of lasting value.

At La Cinémathèque française the presence of the permanent Musée Méliès : La magie du cinéma exhibition casts its spell on Marilyn. It is a fabulous journey, miraculous, fantastic, imaginative, a sequel to the tributes to Wes Anderson and Tim Burton in the same space in recent years.

The dramaturgy is chronological, from the early years of struggle in the 1940s to the superstardom in the 1950s and the battle for survival at the twilight of the Golden Age of Hollywood in the 1960s.

I enjoy the art and craft of the work of preservation in the costumes, objects, stills, posters and publicity materials on display, mixing the legendary with the unknown. Generous helpings of clips refresh our sense of what it was all about. There are also newsreels, including an epic documentation of Monroe's performance for U.S. troops during the Korean War, a personal highlight of her career.

She never failed in photographs. She always had trouble in film appearances. Paintings of her always disappoint, except pop art paintings which are images of images (most famously by Andy Warhol). Actresses attempting to portray her never succeed, but tributes by contemporary actresses are delightful, including Scarlett Johansson in Asteroid City channeling Zelda Zonk, Marilyn's brunette alter ego.

Richard Avedon's photograph series of "Fabled Enchantresses" (shot in 1958 for Life Magazine) with Marilyn as Lillian Russell, Theda Bara, Jean Harlow and Clara Bow is on display in rare poster prints crafted by Avedon himself in 1983. A lovely tribute inside a tribute, opening a perspective into theatre and film history.

A special tribute montage installation has been mounted in the final space. The lingering image for me there is Margot Robbie as Harley Quinn, detonating the Lorelei Lee image in Birds of Prey (see photo below). It belongs to the anti-Marilyn legacy in pop culture. In the context of this exhibition it enters into a mordant dialogue with the Jackie and Marilyn sequence from Mad Men (S.2, E.6, "Maidenform", US 2008).

In the 21st century the Marilyn Monroe reception is changing in many ways.

Most importantly, in 1999 a wealth of previously unknown material from the Marilyn Monroe estate became available. The mystery of her death was finally solved. Medical documents proved beyond doubt that she committed suicide. Outlandish murder conspiracy theories fell into the wastepaper basket. A substantial dialogue has taken place in the Marilyn Remembered network, and Gary Vitacco-Robles published the authoritative biography, Icon: The Life, Times and Films of Marilyn, Volume 1 (712 pages) and Volume 2 (884 pages) (2014-2015) and other indispensable investigations.

The Me Too revolution launched a new generation of feminist perspectives into film studies. As I was writing my Marilyn Monroe book in 1979, I was inspired by Laura Mulvey, Molly Haskell, Marjorie Rosen, Joan Mellen and feminists beyond cinephilia. They saw Marilyn as a victim of the Hollywood power elite who wanted to confine her to varieties of the dumb blonde stereotype. We were aware of the sexual violence of the casting couch. I had believed it to be a thing of the past and was stunned in 2017 to learn that nothing had changed. Now we see Marilyn as an early champion in an ongoing fight.

We understand mental health better and it is no longer a taboo in public discussion. Marilyn was a pathbreaker in discussing childhood sexual abuse. She caused embarrassment with her revelations, and it seemed impossible to reconcile such horror with her radiant incarnation of the American Dream. But the ability to reconcile fundamental contradictions is the key to the mystery of stardom according to Richard Dyer, a guest expert at the Paris tribute.

Like Chaplin, Marilyn grew up in the absence of a father. Their mothers did not take care of them, either, because they were in mental hospitals. 

She smiles, but in her eyes we sense a transcendental homelessness, a bottomless solitude and an endless yearning for love.

FLORENCE TISSOT: INTRODUCTION TO THE TRIBUTE

Célébrer la star, exposer l'actrice

« Je peux être intelligente quand c'est important, mais la plupart des hommes n'aiment pas ça. » La célèbre réplique des Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953) pourrait, dans un sens, bien résumer les choses : Marilyn Monroe affronte l'impitoyable système des studios pendant sa courte carrière d'actrice à Hollywood (1946-1962) et reste aujourd'hui autant déconsidérée, comme interprète, qu'adulée en tant que star. Du fait de ses possibilités scénographiques, l'exposition est particulièrement appropriée à l'opulence visuelle que Monroe cristallise dans les années 50. Sa trajectoire à l'heure du Technicolor et de l'écran large s'illustre par le matériel publicitaire glamour, la garde-robe sexy, les portraits d'artistes de renom (Eve Arnold, Richard Avedon, Andy Warhol...) mais aussi les actualités analysant chaque décision de la célébrité. Ou commentant sa disparition qui ouvre, à l'âge de 36 ans, le spectaculaire chapitre de « sa vie » post mortem. Cet héritage est célébré dans une installation inspirée de la culture ballroom que Madonna – incarnation de la pop culture dans sa capacité à s'approprier les tendances pour les faire rayonner – popularise bien avant Drag Race.

Séparer la star de l'actrice ?

Monroe est d'abord connue en tant que phénomène culturel, dont on se souvient à travers ses photographies davantage que ses films. Elle est plus rarement appréhendée comme une actrice qui incarne et compose des rôles à l'écran. L'un des enjeux de l'exposition est de remettre ses performances cinématographiques au centre et de proposer aux visiteurs de les regarder autrement. Car à ce jour, c'est comme si ses rôles étaient le simple reflet d'états émotionnels, éprouvés sur des tournages chaotiques, et plus proches de la névrose que de la mystérieuse profondeur psychologique des autres comédiens passés par l'Actors Studio.

La célébration de son centenaire repose sur un deuxième constat : Monroe est traversée par toutes sortes de légendes, et sa foisonnante exégèse biographique converge vers l'irrésoluble question : quelle est la « vraie femme » derrière le sex-symbol ? Or, ce que l'on sait de Monroe est pour beaucoup documenté par des témoignages contradictoires, et ces lectures semblent elles-mêmes s'adosser à certaines préconceptions, à la fois des icônes hollywoodiennes, mais aussi des femmes en général. L'exposition propose ainsi de regarder non pas seulement l'actrice, mais aussi les croyances qui ont participé à l'émergence de la star au sein des studios, et l'ont accompagnée tout au long de sa carrière.

L'interprétation à l'écran

Au mieux, on concède que Monroe était une bonne actrice de comédies, mais l'idée la plus courante est qu'elle ne jouait que son propre rôle. Les observations de ses proches et collaborateurs ne relèvent pas, à l'époque, d'une malveillance particulière, mais le recul du temps montre à quel point elles contribuent à la disqualifier : « Elle savait exactement quel effet elle avait sur les hommes. Et c'est tout » (Fritz Lang), « Elle ne jouait pas » (John Huston), « Dans tout ce qu'elle fait, elle est "elle-même" » (Arthur Miller). En abolissant le rapport entre être et incarner, ces commentaires masquent le fait que Monroe pensait ses rôles, les préparait et au-delà, l'interprétation comme création.

Or, l'actrice ne joue pas les « blondes idiotes », vamps et autres séductrices invariablement, quel que soit le metteur en scène, ou les conventions associées aux genres cinématographiques. Comme le démontre Acting in the Cinema (1988) de James Naremore – contributeur du catalogue –, observer minutieusement les expressions du visage, s'attarder sur les gestes dans un cadre et les rapports aux partenaires de jeu permet de montrer un travail de composition, un style, un talent. Chez Monroe, ceci s'illustre déjà dans sa palette d'émotions plus vaste que celle des autres acteurs de Quand la ville dort de Huston (1950) et ce, malgré la brièveté de ses apparitions. Sa formation au jeu ou les écarts subtils qu'elle crée, à l'écran, avec l'image attendue de la star, sont d'autres moyens de saisir ses stratégies d'actrice dans un système esthétiquement et économiquement contraignant.

Décris-moi ta Marilyn et je te dirai qui tu es

Au-delà de nos habitudes de cinéphiles aimant décrypter les films au prisme des réalisateurs-auteurs, on peine à appréhender Monroe comme comédienne à cause de la naïveté qui lui est associée. Et pour comprendre pourquoi nous tendons à la voir seulement « prendre la pose », telle une mannequin, et pourquoi l'innocence est au cœur de son identité, il faut revenir au fonctionnement du star-system. Difficile de passer à côté des travaux de Richard Dyer (également dans le catalogue) qui propose en 1986 l'idée suivante : Monroe cristallise les contradictions des années 50, à la fois puritaines et obsédées par la sexualité, par sa supposée spontanéité, provenant de son image de pin-up.

En 1945, devenir modèle permet à Monroe de divorcer et d'échapper à sa condition d'ouvrière. Elle se propulse en moins d'un an en couverture de nombreux magazines. La Twentieth Century Fox reprend cet idéal de femme enjouée, érotisée sans jamais être vulgaire, dès ses premiers films. Mais aussi dans toutes ses apparitions publiques et tout le matériel promotionnel, élaboré par les départements de publicité du studio à renfort de fictions sur la jeune recrue. Les critères promotionnels de la Mmm Girl seront repris par ses premiers biographes, dont les données sont encore recyclées aujourd'hui. En bref, comme le résume Sarah Churchwell dans son historiographie critique des biographies existantes sur Monroe : les croyances précèdent souvent les faits et elles en disent plus sur nous que sur la star.

Exposer Marilyn

Dans Sept ans de réflexion (1955), Billy Wilder et Monroe proposent la version la plus parodique et exhibitionniste de la pin-up. Cette même année, l'ambition de l'actrice qui cherche à accéder à des rôles plus complexes – en premier lieu Bus Stop de Joshua Logan (1956) – correspond à la dégradation de son image publique, désormais teintée d'échec, comme si ses prétentions artistiques avaient été sanctionnées. Ses aspirations personnelles auront, de fait, du mal à aboutir, tant son symbole de « blonde idiote » a la vie dure. Cette tension entre les deux est la source des innombrables légendes, décuplées par sa mort brutale et l'éparpillement de ses biens. Exposer Marilyn Monroe, c'est ainsi d'abord se confronter à un certain type de discours (teinté d'une fascination pour la mort d'une belle jeune femme) et à un accès relativement difficile aux archives qui nourrissent, main dans la main, le mythe.

« Sois raisonnable, chérie, on ne met pas de muscles dans un compte en banque », conseille le personnage incarné par Monroe à son amie Dorothy, irrépressiblement attirée par les silhouettes athlétiques dans Les hommes préfèrent les blondes. La star, tout juste promue sex-symbol international, est déjà elle-même un capital fructueux dont on pourrait commodément dire que l'essentiel est aujourd'hui détenu par une poignée de milliardaires : qu'il s'agisse de ses effets personnels – entre les mains de collectionneurs privés – ou de ses droits et revenus, exploités par une holding financière. Le mythe est là pour perdurer.

Florence Tissot, commissaire de l'exposition

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THE EXHIBITION CATALOGUE

Marilyn Monroe. Editions GrandPalaisRmn / La Cinémathèque française (2026). Sous la direction de Florence Tissot. 285 pages.

Florence Tissot : Célébrer la star, exposer l'actrice

Richard Dyer : " Scintillante, si pâle et si blanche "

James Naremore: Marilyn Monroe et l'art de la performance

Christian Viviani : De Monroe à Marilyn

Marguerite Chabrol : Marilyn Monroe et le répertoire théâtral : variations sur la showgirl

Ginette Vincendeau : Marilyn Monroe et Brigitte Bardot : blondes nationales et internationales

Sarah Street : Costumes et technologies cinématographique des années 1950

Nicole G. Albert : Onomastique d'un mythe

Paul McDonald : Le star-system hollywoodien et la promotion d'une nouvelle attraction

Salomé Bilherean : Mettre à nu Marilyn Monroe : enjeux photographiques d'un fantasme collectif

Sophie Lemahieu : Figure de la mode des années 1950

Sarah Churchwell : Mémoires : Arthur Miller

Catherine Hulin : " Je n'appartiens qu'au public et au monde "

Filmographie

Bibliographie générale

Cathy Yan: Birds of Prey (US 2020). Margot Robbie as Harley Quinn, exploding the Lorelei Lee image.

In front of La Cinémathèque française. Marilyn Monroe reads Henrik Ibsen's
An Enemy of the People in the Arthur Miller edition of 1950. Foto Laila Alanen. 

Stille Freundin / Silent Friend

 

Ildikó Enyedi: Stille Freundin / Silent Friend (DE/FR/HU/CN 2025). Luna Wedler as Grete. 

Ildikó Enyedi and her team of Stille Freundin / Silent Friend at the Mostra de Venise, 5 Sep 2025. Photo: Luca Fazzaroli / Euronews.

Silent Friend [the film's title in the opening credits]

Titre original : Stille Freundin

Titre français : Silent Friend

    DE/FR/HU/CN © 2025 Pandora Film Produktion GmbH (Köln) / Galatée Films S.A. (Paris) / Inforg M&M Film (Budapest) / Rediance (CN). P: Reinhard Brundig, Mónika Mécs, Nicolas Elghozi, Meng Xie, Morgane Olivier.

    Réalisation et scénario : Ildikó Enyedi

Photographie : Gergely Pálos – the story set in 1972 was shot in 16 mm – b/n (the story of 1908) et couleurs – 1,85:1 – release format: DCP

PD : Imola Láng

Cost : Peri De Bragança

VFX : Béla Klingl

Musique : Gábor Keresztes et Kristóf Kelemen

Soundtrack : Gaby Moreno : " 'Til Waking Light " (2022, comp.+lyr. Gaby Moreno).

Son : Michael Schlömer – Dolby Digital 5.1

Montage : Károly Szalay

    Distribution

Tony Leung Chiu-wai / Tony

Luna Wedler / Grete

Enzo Brumm / Hannes

Sylvester Groth / Anton

Martin Wuttke / Herr Fuchs

Johannes Hegemann / Thomas

Rainer Bock / Prof. Winterhalter

Léa Seydoux / Alice

Marlene Burow / Gundula

Yun Huang / Jule

Luca Valentini / Hannes' Freund

Felix Burose / Max

Camillo Guthmann / Franz

Sky Hofmann / Peter

Johannes Scheidweiler / Udo

    The trees are singled out in the closing credits.

    Dreharbeiten : 9.4.–20.6.2024: Marburg (Lahn), Köln, Bonn, Düsseldorf, Budapest, Paris [Botanischer Garten der Philipps Universität Marburg]

    Langue originale : allemand (+ un peu de chinois, de français et d'anglais)

Genre : biographie, historique

Durée : 147 minutes

    The film was inspired by the studies of the American psychologist Alison Gopnik, the Australian ecologist Monika Gagliano and the British neuroscientist Anil Seth.

    In memoriam : Karl Baumgarten.

    Dates de sortie :

Uraufführung : Italie : 5 septembre 2025 (Mostra de Venise) : sélection officielle, en compétition – Prix Marcello Mastroianni du meilleur espoir pour Luna Wedler

Allemande : Kinostart 15 janvier 2026

France : 1er avril 2026 – société de distribution : KMBO (France) – sous-titres français : Mireille Onion.

    Viewed on Easter Monday, 6 April 2026 at 14h30, VOSTFR, Majestic Bastille, Salle 1, 4 Boulevard Richard-Lenoir, Paris 75011, M° Bastille, Lignes 1, 5, 8

MOSTRA DE VENISE 2025:

Synopsis

"In the heart of a botanical garden in a medieval university town in Germany stands a majestic ginkgo tree. This silent witness has observed over a century the quiet rhythms of transformation across three human lives."

    "2020, a neuroscientist from Hong Kong, exploring the mind of babies, begins an unexpected experiment with the old tree."

    "1972, a young student is profoundly changed by the simple act of observing and connecting with a geranium."

    "1908, the university’s first female student discovers, through the lens of photography, sacred patterns of the universe hidden within the humblest of plants."

    "We follow their clumsy, awkward attempts to connect — each one of them deeply rooted in their own present — as they are transformed by the quiet, enduring, and mysterious power of nature. The ancient ginkgo tree brings us closer to what it means to be human — to our longing to belong."

Director’s Statement

"It is a film made by humans (by an amazingly open minded, dedicated team) for fellow humans — the spectators. We humbly acknowledge and embrace our specific perceptual limits. This film speaks, with the help of light and sound waves available for the human eyes and ear, of world perceptions outside these limits. We acknowledge that we are not the default — our is one of the many, equally valid worlds. What is it like to be a tree? We don’t know. So, we won’t show it. Instead, we show human curiosity, touchingly imperfect attempts of connecting, of acknowledging the “other” and accepting that for them we are the mysterious “other”. We show glimpses through more than 100 years of the botanical garden of a university. A place that was always (“universitas”) the hub of free and limitless human curiosity, of science. In times when it is so dangerously questioned and attacked, we would also like to draw attention not only to the importance, but also the beauty and the naive, daring force of scientific research. It can help us walk down from the frighteningly dizzy spot on top of the pyramid to a place better deserved and more homey — to be part of this world."

AA: Ildikó Enyedi's Silent Friend is a multi-character study, a portmanteau film, a meditation and a journey in three time zones. 

The protagonist is a gingko biloba tree in the botanical garden of the Philipps University of Marburg. The gingko biloba is the last living species in the order of Ginkgoales which is 290 million years old. It survives in its natural habitat only in China. The Philipps University (founded in 1527 during the Reformation) is the oldest Protestant university.

Like the monolith in 2001: A Space Odyssey, the giant tree is a mysterious presence from beyond history. The more we know about it the less we seem to understand. The tree is the connection between the three stories.

We start in the 2020s, during the Covid lockdown. The neuroscientist Tony (Tony Leung), a guest professor from Hong Kong, is fascinated by the gingko tree when he visits the university garden for his daily tai chi exercise. He communicates in remote work and virtual meetings with a French colleague, Alice (Léa Seydoux). Tony starts to study the tree with sensors.

Half a century earlier, in 1972, Hannes, a student of literature (Enzo Brumm) is acquainted with Gundula (Marlene Burow), a student of botany, who asks him to take care of her meticulously sensor-monitored pelargonium while she is away. In her absence, Hannes discovers hidden dimensions of flower power.

In 1908, Grete (Luna Wedler) arrives at the university as the first woman, facing stale misogyny not only at the academia but in the city itself where she has trouble finding accommodation until she meets an old, self-taught photographer whose assistant she becomes. With photography, she explores the secrets of her own flesh. In extreme close-ups of plants she discovers the secret pattern of the universe.

Photographed by Gergely Pálos, Silent Friend is excellent as an achievement of purely visual art. The refined texture and gamut of nature is difficult to achieve in digital, but Silent Friend succeeds. Ildikó Enyedi is also a master of the mise-en-scène both in interiors and exteriors. The story about plants is marked by a touch of sensuality and sexuality in its Linnéan sense. In an unexpected way it is also about the joy of sex, explicitly (the genital in the vegetal), but way beyond the X-Rated. 

Ildikó Enyedi's movie is gentle and playful and never laborious although the themes are grand. Enyedi challenges us to rediscover our relationship with nature and our identity as creatures of nature. Of recent works of art I was thinking about Eija-Liisa Ahtila's A Reflection of the Forest (FI 2024). Goethe's Metamorphosis of Plants is evoked by Hannes in his clumsy attempts to approach Gundula. Carl von Linné is a major presence in the story of Grete. Of other early connections I was thinking about Rousseau, Thoreau and Emerson. 

The timeless presence of the gingko biloba can be compared with the Goethe Oak in Weimar, Prince Andrei's oak tree in War and Peace and the sequoia sempervirens in Vertigo.

A film of meditation, Silent Friend is never boring. A compelling current of intensity runs through the unique picture.

Luna Wedler won the Prix Marcello Mastroianni at the Venice Film Festival as the best young talent. Deservedly. Her Grete is a bright and intelligent force of light as the only woman in a world dominated by an all male panel. Thanks to her inner dignity she will never be brought down.

I don't understand why a German language film is shown in Germany and France with an English title.

...

FILMPORTAL: SILENT FRIEND 

Regie / Ildikó Enyedi

Regie-Assistenz / István Kolos

Script / Barbara Krieger (Script Supervisor)

Drehbuch / Ildikó Enyedi

Dramaturgie / Tina Kaiser (Dramaturgische Recherchen)

Kamera / Gergely Pálos

Farbkorrektur / Alexander Suer

Visuelle Effekte / Béla Klingl (Supervision)

Licht / Dennis Krombach

Kamera-Bühne / Rudi Kurth, Felix Stratmann (Assistenz)

Production Design / Imola Láng

Ausstattung / Vicky von Minckwitz

Außenrequisite / Ricci Becker, Saskia Grebenstein (Assistenz)

Innenrequisite / Jan Feil, Nimet Yilmaz

Maske / Aurélie Cerveau, Diana Badalova

Kostüme / Peri De Bragança, Martina Schall (Assistenz), Angelina Curilova (Assistenz)

Schnitt / Károly Szalay

Ton / Michael Schlömer, Ton-Assistenz / Andreas Fritsch

Recherche / Tatjana Bonnet (Archiv-Recherche)

Casting / Nina Haun, Patrick Dreikrauss

Musik / Gábor Keresztes, Kristóf Kelemen

    Darsteller:

Tony Leung Chiu-wai /  Tony

Luna Wedler / Grete

Enzo Brumm / Hannes

Sylvester Groth / Anton

Martin Wuttke / Herr Fuchs

Johannes Hegemann / Thomas

Rainer Bock / Prof. Winterhalter

Léa Seydoux / Alice

Marlene Burow / Gundula

Yun Huang / Jule

Luca Valentini / Hannes' Freund

Felix Burose / Max

Camillo Guthmann / Franz

Sky Hofmann / Peter

Johannes Scheidweiler / Udo

    Produktionsfirma:

Pandora Film Produktion GmbH (Köln)

Galatée Films S.A. (Paris)

Inforg M&M Film (Budapest)

Rediance (CN)

    in Co-Produktion mit:

Arte France Cinéma (Issy-les-Moulineaux)

Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF)/Arte (Mainz)

    in Zusammenarbeit mit:

Arte Deutschland TV GmbH (Baden-Baden)

    Produzent / Reinhard Brundig, Mónika Mécs, Nicolas Elghozi, Meng Xie, Morgane Olivier

Herstellungsleitung / Orsi Kmetty, Stefaan Schieder, Rudi Teichmann, Erika Tarr

Produktionsleitung / Mathias Krämer, Elke Sasserath

Aufnahmeleitung / Lukas Helming, Nadine Ginzel (Motiv), Stephan Bechem (Set)

Produktions-Assistenz / Greta Niemann

Produktions-Koordination / Claudia Schindler

Erstverleih: Pandora Film GmbH & Co. Verleih KG (Aschaffenburg)

    Filmförderung:

Nemzeti Filmintézet (Budapest)

Deutscher Filmförderfonds (DFFF) (Berlin)

Film- und Medien Stiftung NRW (Düsseldorf)

Beauftragte/r der Bundesregierung für Kultur und Medien - Filmförderung (Berlin)

HessenFilm und Medien (Frankfurt am Main)

Filmförderungsanstalt (FFA) (Berlin)

Eurimages (Straßburg)

MOIN Filmförderung (Hamburg)

Media Programm der EU (Brüssel)

    Dreharbeiten: 9.4.2024 – 20.6.2024: Marburg (Lahn), Köln, Bonn, Düsseldorf, Budapest, Paris [Botanischer Garten der Philipps Universität Marburg]

    Länge: 147 min

    Format: DCP, 1:2,39 (Cinemascope)

    Bild/Ton: s/w + Farbe, 5.1

    Prüfung/Zensur: FSK-Prüfung (DE): 14.10.2025, 273801, ab 6 Jahre / feiertagsfrei

    Uraufführung (IT): 27.8.2025 - 6.9.2025, Venedig, IFF - Competition;

    Kinostart (DE): 15.1.2026

Sarı Zarflar / Gelbe Briefe / Yellow Letters

İlker Çatak: Sarı Zarflar / Gelbe Briefe / Yellow Letters (TK/FR/DE 2026). Özgü Namal (Derya Tufan) and Tansu Biçer (Aziz Tufan). 

İlker Çatak. The director and his team celebrate the highest prize of the Berlinale. Sarı Zarflar / Gelbe Briefe / Yellow Letters · Competition · Golden Bear for Best Film · 21 Feb, 2026. Photo: Berlinale: Gelbe Briefe.

TK/FR/DE © 2025 if… Productions / Haut et Court / ZDF. Year of release: 2026. Other production companies: Arte, Liman Film. Produced by Ingo Fliess.

    Directed by İlker Çatak

Written by İlker Çatak, Ayda Çatak, Enis Köstepen

Bildgestaltung: Judith Kaufmann – colour – scope – release format: DCP

Szenenbildnerin: Zazie Knepper

Music by Marvin Miller

Edited by Gesa Jäger

    Cast

Özgü Namal as Derya Tufan

Tansu Biçer as Aziz Tufan

Leyla Smyrna Cabas as Ezgi Tufan

İpek Bilgin as Güngör Tufan

Aydın Işık as Salih

Aziz Çapkurt as Baran

Yusuf Akgün as Fikret

Uygar Tamer as Kadriye

Jale Arıkan as Kübra

Seda Türkmen as Sema

Emre Bakar as Ismail Karacabaş

Elit İşcan as Cemre

Sultan Ulutaş Alopé as Rojda

Emine Meyrem as Gülin

İpek Seyalıoğlu as Zeynep

    Dreharbeiten: Berlin als Ankara, Hamburg und Umgebung als Istanbul – 24.5.–10.7.2024

    128 min

    Language: Turkish

    Release dates:

13 February 2026 (Berlinale) Ours d'Or

Kinostart: 5 March 2026 (Germany)

1 April 2026 (France) distributor: Haut et Court – sous-titres français: Emma Delfuano.

    Viewed on Easter Sunday, 5 April 2026 at 13h20, VOSTFR, MK2 Bastille (Côté Faubourg Saint-Antoine), Salle 1, 5 Faubourg Saint-Antoine, Paris 75011, M° Bastille, Lignes 1, 5, 8

The yellow letters of the title are letters of dismissal ("pink slips"?).

Premise from English Wikipedia: "The marriage of an artist couple begins to unravel after a state arbitration at their play's premiere."

Berlinale 2026: "Derya and Aziz, a celebrated artist couple from Ankara, lead a fulfilling life with their 13-year-old daughter Ezgi – until an incident at the premiere of their new play changes everything. Overnight, they find themselves targeted by the state and lose their jobs and their home. They move to Istanbul to temporarily stay with Aziz’s mother. While Aziz ekes out a living with odd jobs and holds on to his convictions, Derya searches for a way to become financially independent. An increasing distance grows between them and their daughter until they are forced to choose between their values ​​and their shared future as a family."

AA: İlker Çatak's Yellow Letters is a drama written by the artist couple İlker and Ayda Çatak about an artist couple in contemporary Turkey.

Derya (Özgü Namal) is a beloved actress and Aziz (Tansu Biçer) a playwright and a professor. They stage acclaimed experimental plays in Ankara during a period of huge demonstrations, closely patrolled by a heavily armoured police force. 

Derya fails to accept a photo opportunity with the governor, and Aziz supports his students who join demonstrations. Aziz exclaims that there could be no greater drama than such demonstrations. Things like this lead to the dismissal of the couple from their theatre, the firing of Aziz from his university and the termination of the lease of their apartment. They get in trouble even with their bank account. Their daughter Ezgi cannot continue her expensive music lessons.

The family moves to Istanbul to restart their life, staying with Aziz's mother. Derya's brother helps Aziz get a job as a taxi driver. Ezgi finds new friends passionate about music and does not long to return to an elite school anymore. Having previously resisted offers of a lucrative role in a television series, Derya now embraces it with great success.

Aziz finds himself in the biggest crisis. Derya deserts his new experimental play without forewarning. In a big family row Derya blames Aziz for his pseudo-feminist attitudes. "It is me who created you!" declares Aziz, and if that is indeed the case, Yellow Letters can be seen to belong to the A Star Is Born legacy about a veteran maestro whose star now rises on her own wings while the maestro falls to the bottom.

Yellow Letters is a stirring piece of social drama. It is not as immediately electrifying as Çatak's masterpiece The Teacher's Lounge, nor psychologically as compelling as the marvellous Es gilt tas gesprochene Wort (2019). But it is a rich and rewarding movie, a journey into the turbulence of contemporary Turkey, including setpieces such as a Friday prayer at a mosque and a trial in which the artist couple is accused of promoting terrorism.

The cast is excellent in leading and supporting roles. In today's screening the visual experience was on the dark side either because of the circumstances of projection or because of an artistic decision favouring available light in shadowy interiors. The difference was remarkable to Çatak's previous, well-lensed work.

Due to the decision to cast Hamburg as Istanbul we miss spectacular landscapes of the twin city and its ubiquitous sense of history. Aziz's taxi shift is always at night, and the Istanbul home is narrow and dimly lit. The maritime views of the Pearl of the Bosphorus are restricted to close-ups of water surging under the ferry.

Like Jafar Panahi's It Was Just an Accident and Kleber Mendonça Filho's The Secret Agent, Yellow Letters is a message to the liberal West about the perils of the creeping power of authoritarianism, the lure of collaboration and the difficulty of breaking free after a certain point.

As a family story, Yellow Letters is also a tale of liberation. The mother and the daughter break free from the domination of the father who has seen himself as a feminist and a nonconformist and who now has to face his unconscious patriarchal bias beyond the pretense.

I am disappointed that a German film in Turkish is released in France with an English title. 

...

After the screening we witnessed a demonstration gathering at the Place de la Bastille, around the Colonne de Juillet celebrating Les Trois Glorieuses, the three glorious days of the 1830 Revolution against tyranny, famous also from the story of Gavroche in Les Misérables. On top of the column since 1840 is the golden statue of Le Génie de la Liberté by Auguste Dumont.

The Sunday 5 April 2026 demonstration was a part of a Grande Marche 15h –19h at Place de la Bastille and Place des Pyramides, "NON à la république Islamique d'Iran, grande marche de soutien au peuple iranien". I was struck by the coexistence of the flags of Iran and Israel and the presence of the portrait of Reza Pahlevi. The demonstration proceeded from the square towards the continuity of rue Sainte-Antoine – Rue de Rivoli.

This is the week when the King Kong of the White House threatened to bomb Iran back to the Stone Age, the Pope condemned his inhuman rhetoric and key figures of the Republican Party started to seriously distance themselves from his brutal militarism.

...

FILMPORTAL: GELBE BRIEFE 

Regie / İlker Çatak

Regie-Assistenz / Shawn Bäumer

Script / Ipek Sertöz (Script Supervisor)

Drehbuch / İlker Çatak, Ayda Meryem Çatak, Enis Köstepen

Kamera / Judith Kaufmann

Kameraführung / Jan Schuberth

Kamera-Assistenz / Gero Neumann

Steadicam / Florian Klos

Farbkorrektur / Christian Kuss

Standfotos / Ella Knorz

Licht / Timm Brückner

Kamera-Bühne / Lukasz Wyszkowski, Ivain Adrian (Assistenz)

Szenenbild / Zazie Knepper, Luca Rossi (Assistenz)

Ausstattung / Jeannie Ulrich

Außenrequisite / Tim Meisner, Steffi Lehmkul

Innenrequisite / Susanne Lingens, Youssif Ibrahim (Assistenz), Isabel Lampe (Assistenz)

Maske / Nicola Faas, Anne Wenzel (Assistenz), Yasmin Iqbal (Assistenz)

Kostüme / Christian Röhrs, Emily Schumann (Assistenz), Johanna Schraut (Assistenz)

Schnitt / Gesa Jäger

Schnitt-Assistenz / Arzu Tuncel Rollenhagen

Ton-Design / Sebastian Tesch, Florian Holzner

Ton / Maarten van de Voort

Ton-Assistenz / Max Kober

Synchron-Ton / Anna Dorothee von Hammerstein

Casting /  Ceren Sena Akdeniz

Musik / Marvin Miller

    Darsteller

Özgü Namal / Derya

Tansu Biçer / Aziz

Leyla Smyrna Cabas / Ezgi

İpek Bilgin / Güngör Hanim

Aydın Işık / Salih

Aziz Çapkurt / Baran

Yusuf Akgün / Fikret

Uygar Tamer / Kadriye

Jale Arikan / Kübra

Seda Türkmen / Sema

Emre Bakar / Ismail Karacabraş

Elit İşcan / Cemre

Sultan Ulutaş Alopé / Rojda

Emine Meyrem / Gülin

Ipek Seyalioglu / Zeynep

Ela Cosen / Münise

Erdogan Koc / Zafer

Yasin Kalfa / Imam

Vedat Erincin / Zülfikar

Eray Egilmez / Üst

Uğur Taşbilek / Rechtsanwalt

Sezer Uzunoglu / Security

Tuba Görgün / Nachrichtensprecherin

Mustafa Cicek / Theaterschauspieler

Ferhat Keskin / Taxi-Fahrer

Şiir Eloğlu / Rektorin

Irem Gökçen / Havva

Ümran Algün / Assistentin

Hadyeh Khalaj / Schülerin

    Produktionsfirma

if... Productions (München)

    in Co-Produktion mit

Haut et Court (Paris)

Liman Film (Istanbul)

    in Zusammenarbeit mit

Zweites Deutsches Fernsehen (ZDF)/Arte (Mainz)

    Produzent / Ingo Fliess

Co-Produzent / Carole Scotta, Caroline Benjo, Eliott Khayat, Nadir Öperli, Enis Köstepen

    Redaktion

Alexandra Staib (ZDF)

Martin Gerhard (ZDF / Arte)

Barbara Häbe (Arte)

    Executive Producer / Ingo Fliess

Herstellungsleitung / Ingrid Holzapfel

Associate Producer / Seren Sahin

Aufnahmeleitung / Roland Kanamüller, John Kustendy (Motiv), Robert Seemann (Motiv), Romy Guttmann (Motiv), Leo Manow (Set)

    Erstverleih: Alamode Filmverleih (München)

    Filmförderung

Beauftragte/r der Bundesregierung für Kultur und Medien - Filmförderung (Berlin)

Filmförderungsanstalt (FFA) (Berlin)

Deutscher Filmförderfonds (DFFF) (Berlin)

MOIN Filmförderung (Hamburg)

Medienboard Berlin-Brandenburg GmbH (MBB) (Potsdam)

FilmFernsehFonds Bayern GmbH (FFFB) (München)

Deutsch-Türkischer Co-Production Development Fonds (DE)

    Dreharbeiten 24.5.2024 – 10.7.2024: Hamburg und Umgebung, Berlin

    Länge: 128 min

Format: DCP

Bild/Ton: Farbe, Ton

    Prüfung/Zensur:

FSK-Prüfung (DE): 12.1.2026, 276434, ab 12 Jahre / feiertagsfrei

    Uraufführung (DE): 13.2.2026, Berlin, IFF – Wettbewerb, Berlinale Palast;

    Kinostart (DE): 5.3.2026

Musée du Quai Branly – Jacques-Chirac

 

Tête sculptée Moaï. 11e -15e siècle. Amérique>Amérique du Sud>Chili> Valparaíso>Pâques (île) [Ahu Vaihu, Hanga Roa (baie de Cook)]. Culture : Pascuans. Tuf volcanique. 180 x 131 x 108 cm, 2350 kg. Acquisition indéterminée : Personne inconnue. Ancienne collection : Museum National d'Histoire Naturelle. Ancienne collection : Lapelin, François-Théodore de (1812 - 1888). Précédente collection : Musée de l'Homme (Océanie). N° inventaire : 71.1930.35.1. MH - Inventaire : 30.35.1, Objet exposé : MQB, Quai Branly, Hall d'accueil, emplacement hall d'accueil, Usage : Les sculptures moai étaient érigées sur des plates-formes de pierre, le visage face à l'intérieur des terres (celles du bord de mer). Elles commémoraient des ancêtres illustres ou divinisés. Provenance historique : Date et circonstances de collecte : Cette sculpture fut rapportée en 1872 par le contre-amiral Lapelín qui dirigeait l'expédition de « La Flore ››. Pierre Loti participa à cette collecte et réalisa plusieurs dessins de moai in situ. La Flore mouille à Hanga Roa le 3 janvier 1872 au moment où les missionnaires catholiques conduits par le Père Roussel avaient quitté l’île avec leurs ouailles, suite à un désaccord avec Jean-Baptiste Dutrou-Bornier (1834-1876) qui avait entrepris de faire reconnaître son épouse polynésienne en tant que reine de l’île de Pâques. Dans l’article qu’il publie dans la Revue maritime et coloniale, 1872, n°35, p.106, François-Théodore de Lapelin précise que Dutrou-Bornier étant également absent, c’est avec le concours de « M. Christian Smith, jeune marin danois, le seul blanc que nous ayons trouvé au milieu de cette population » qu’il conduit l’opération ; et « qu’à défaut d’une statue entière, en bon état de conservation, facilement transportable, nous avons dû nous contenter de détacher la tête d’une statue renversée sur la face, trop lourde pour être transportée entière et qui se trouvait dans un moraï (mieux [sic] marae) près du débarcadère de la mission. ». Enlèvement de la tête le 5 janvier 1872. Voir Loti, 1899, p. 243-245. Provenance historique mise à jour le 13/06/2025, en fonction des informations disponibles.

The twentieth anniversary of Musée du Quai Branly.

Musée du Quai Branly – Jacques-Chirac

37 Quai Branly, 75007 Paris

Visited on Sunday, 22 March 2026

AA: Already the first exhibits take my breath away. A 869 cm high Gitxsan totem pole from British Columbia (see photo below) reaches toward the ceiling. A huge Moaï head from Rapa Nui (Easter Island) sculpted from lava (see photo above) faces us in silent grandeur.

The keyword is awe.

I am instantly in an uncanny power field detached from the urban contemporary reality surrounding us. I am no longer able to focus and wander like a sleepwalker on the spiralling lanes of Musée du Quai Branly.

It becomes immediately my favourite museum in Paris. I had anticipated this, and therefore avoided it.

In fact, I knew this would happen. During the 1980s, as a student in West Berlin, living in Dahlem at the Freie Universität campus, I was a regular at the Dahlem Museum Complex, where the Museum für Völkerkunde (today's Ethnologisches Museum) was my favourite in Berlin. It emitted an uncanny radiation to the neighbouring Gemäldegalerie.

My dearest friend from my Berlin days had especially recommended Musée du Quai Branly for us. I have to keep returning if I dare. The visit raises a lot of questions.

The first is about colonialism and repatriation. These museums in Paris, Berlin and everywhere are, among other things, displays of colonial looting and appropriation, and dealing with it is a high priority in the cultural patrimony profession. 

In the cinema, the classic of the field is Les Statues meurent aussi (FR 1953) directed by Chris Marker, Alain Resnais and Ghislain Cloquet. It is a pioneering masterpiece based on an anticolonialist philosophy of history, shot at le Musée de l'Homme, one of the predecessors of Musée du Quai Branly. A kind of a "sequel" is Mati Diop's Dahomey (SN/BJ/FR 2024), a documentary about the journey of repatriation from the Musée du Quai Branly to Benin.

The second question belongs to the category of "children's science questions", the simplest and greatest questions which may be impossible to answer. What are they? What are these objects? To me it seems increasingly that these objects are not necessarily art. They are more. They are beyond art. Familiar aesthetic categories are meaningless. These objects may have multiple functions, but often they might be holds, markers, devices, means and instruments of memory, history, identity, culture and patrimony. Many belong to the sphere of the sacred, what we describe with words such as magic, animism and totemism.

I was not surprised to register in Dahomey the movie that there are people in Benin who are disturbed by the repatriation. These objects still cast a powerful spell. They are scary. Even I, who have no idea of their original context, can sense that.

Also a third question is a children's science question. Who are we? In the age of LLMs, superior machine learning and an incredible increase in the power of information technology, many now imagine that we may soon no longer be able to tell the man from the machine. But Joseph Weizenbaum, the creator of the first chatbot in 1966, already realized that that moment will never happen. Because we are a mystery to ourselves and each other. The Museum of Quai Branly is all about that mystery.

In the Cave of Forgotten Dreams (2010), Werner Herzog entered the Grotte Chauvet-Pont-d'Arc to encounter the oldest known cave drawings, engravings and paintings, dating to 35.000-27.000 BP. What is impressive is their timeless quality. We don't know the meaning and the function of these images, but in a general way we can relate to them and the people who made them.

The fourth question was posed already by the trio Marker & Resnais & Cloquet: if we see these works as art, why are they not in the Louvre, why are they segregated in a ghetto? And if we view them primarily as sacred objects, why are the religious masterpieces of the Quattrocento not here with them?

The questions may be the answers. The meaning of a place like this is to stimulate thought and dialogue on the most profound issues of consciousness and community. 

Associations are stirred. A wall full of masks resonates both with Picasso's Young Ladies of Avignon and Nick Park's Wallace & Gromit.

A time warp into eternity is welcome in our daily life in the instant attention economy.

Mât totem "Kaiget". Fin 19e siècle. Amérique>Amérique du Nord>Canada>British Columbia (province) Culture : Gitxsan. Cèdre rouge. 1451 x 75 x 60 cm, 736000 g. Partie supérieure : 582 cm, 253000 g. Partie inférieure : 869 cm, 4830000 g. Donateur : Seligmann, Kurt (1900 - 1962). Précédente collection : Musée de l'Homme (Amérique) N° inventaire : 71.1992.55.1. MH - Registre des dépôts : D.39.2.1. MH - Inventaire : 992.55.1. Objet exposé : MQB, Quai Branly, Hall d'accueil, emplacement hall d'accueil. Description : Monstre ou géant, Kaiget est l'emblème du clan de la "Maison aux yeux multiples". Ce mât se trouvait en face de la maison du chef (dont le nom était Gédem Skanish) et permettait d'identifier le rang et le clan auxquels il appartenait. Please click on the photo to enlarge it.

Musée du Quai Branly – Jacques-Chirac: Le guide du musée, Edition 2006, the first guide, still the best, 308 pages, superb on every page.

Musée du Quai Branly – Jacques-Chirac: Le guide du musée, Edition 2016, the second guide, the one currently for sale at the museum bookstore. 264 pages, smaller format. Keys to understanding The history of the collection, from the earliest ethnographic missions to the inauguration of the museum in 2006 ; the design of the building and the garden. And, from Gauguin to Apollinaire, painters and writers provide their insights on non-Western art. The collection area Discover the five themes featured at the Musée du Quai Branly - Oceania, Asia, Near East and North Africa, Africa, the Americas - through the major works, techniques and rituals of each civilization. Practical information All the essential information you need to prepare your visit and enjoy all the activities available in this "cultural city".

The Testament of Ann Lee

 

Mona Fastwold: The Testament of Ann Lee (US/GB 2025). Amanda Seyfried (Ann Lee).

Le Testament d'Ann Lee

US/GB 2025

    FICHE TECHNIQUE

Sociétés de production : Annapurna Pictures, Mid March Media, FirstGen, Mizzel Media, Yintai Entertainment, Kaplan Morrison et Intake Films

Producteurs : Andrew Morrison, Joshua Horsfield, Viktória Petrányi, Mona Fastvold, Brady Corbet, Mark Lampert, Klaudia Śmieja-Rostworowska, Gregory Jankilevitsch et Lillian LaSalle

    Réalisation : Mona Fastvold

Scénario : Brady Corbet et Mona Fastvold

Photographie : William Rexer

Format : 35 mm – couleur – 2.35:1 – released on 70 mm and digital

Décors : Sam Bade

Costumes : Malgorzata Karpiuk

Musique : Daniel Blumberg

Montage : Sofía Subercaseaux

    DISTRIBUTION

Amanda Seyfried (VF : Marie-Eugénie Maréchal) : Ann Lee

Lewis Pullman : William Lee

Thomasin McKenzie : Mary Partington

Stacy Martin : Jane Wardley (en)

Christopher Abbott (VF : Damien Ferrette) : Abraham Standerin

Tim Blake Nelson : le pasteur Reuben Wright

Scott Handy (VF : Alexis Victor) : James Wardley

Matthew Beard (VF : Cyril Descours) : James Whittaker

Jamie Bogyo : Richard Hocknell

Viola Prettejohn : Nancy Lee

David Cale (VF : Michel Dodane) : John Hocknell

Esmee Hewett et Millie Rose Crossley : Ann, jeune

Benjamin Bagota et Harry Conway : William, jeune

    Loc: Budapest (Hungary) and Göteborg (Sweden).

    Durée : 130 minutes

Budget : 10 000 000 $

Langue originale : anglais

Genre : drame, biographie, musical

Société de distribution : Searchlight Pictures

    DATES DE SORTIE :

Italie : 1er septembre 2025 (Mostra de Venise)

Canada : 9 septembre 2025 (festival de Toronto)

États-Unis :

25 décembre 2025 (sortie limitée en salles 70 mm)

23 janvier 2026 (sortie nationale)

Royaume-Uni : 20 février 2026

France : 11 mars 2026 – distributeur : The Walt Disney Company France

Finlande : 20 mars 2026 – distributeur : The Walt Disney Company Nordic

    Vu 21 mars 2026, Majestic Bastille, 4 bd Richard-Lenoir, Paris 75011, 11e, M° Bastille, Lignes 1, 5, 8

SYNOPSIS

Dans les années 1770, Ann Lee quitte l'Angleterre pour New York et fonde l'Organisation de la Société Unie des Croyants dans la Deuxième apparition du Christ (United Society of Believers in Christ's Second Appearing), encore appelée les Shakers. Prêchant l'égalité des sexes et l'égalité sociale, Ann Lee est vite vénérée par ses fidèles comme l'incarnation féminine du Christ. Sa quête pour construire une utopie va cependant connaitre de nombreux tourments.

AA: Mona Fastvold's The Testament of Ann Lee is a historical drama, a tale of a religious sect, a true story and a tale of unrest.

The canvas is magnificent. William Rexer shoots in glorious 35 mm in the scope format.  The passion in colour invites comparison with great oil paintings.

The Testament of Ann Lee rises to a select group of great films about religious movements. It is a tale of sound and fury, the eternal combat between the spirit and the flesh, the ordeal of being called into a higher existence while irrevocably chained to the earth.

Jacques Audiard turned his gangster picture Emilia Pérez into an opera, and Mona Fastvold turns her religious saga into a musical. It is a bold solution but justified by the insight of transcending the ordinary and reaching into the beyond.

Geographically, the voyage extends from Europe to an America before the Revolution. The range of human experience from the carnal to the sacred is equally amazing.

Amanda Seyfried gives a shattering performance as Ann Lee. She deserves to be mentioned among the great performers of religious revivalists, such as Barbara Stanwyck in The Miracle Woman (inspired by Aimee Semple McPherson) and Burt Lancaster in Elmer Gantry (based on the novel by Sinclair Lewis). In Nordic countries we have a cinematic legacy of our own in this subject which I discussed a month ago having seen Jon Blåhed's Raptures (SE/FI 2025).

As a sociologist and an Émile Durkheim devotee I am endlessly fascinated by the subject of religion and society. Religion is a grand mystery, for Durkheim the social fact. The Testament of Ann Lee is all about this mystery and that fact.

The film may also be a case of what I call "the pandemic phlegmatic syndrome". All ingredients are first class: the extraordinary performances, the visual experience and the religious soundtrack. There is nothing wrong. Only an irresistible conviction is missing. 

Jussi Awards 2026 (Finnish awards honoring films released in 2025)

 

Best Ensemble: Pirjo Lonka and Elina Knihtilä in 100 litraa sahtia (100 Litres of Gold). Photo: Heikki Saukkomaa / Lehtikuva / Yle.

Audience Favourite: Cancel, starring Henry Weckström (Weksi), Niko Meuronen (Niko) and Santeri Hänninen (Santtu), directed by Tuukka Temonen (on the right). Photo: Heikki Saukkomaa / Lehtikuva / Yle.

2026 JUSSI NOMINEES:

Jossain on valo joka ei sammu / A Light That Never Goes Out (10)

100 litraa sahtia / 100 Litres of Gold (6)

Valitut / Rörelser / Liikheitä / Raptures (5)

Orenda (4)

Sisu 2 / Sisu: Road to Revenge (4)

E (3)

The Helsinki Effect (3)

Elämä on juhla / Summer Is Crazy (2)

Huutamisen taito / How to Shout (2)

Teräsleidit – kuin viimeistä päivää (2)

Aurinko laskee Lemmenjoella / The Last Misfits by the Golden River (1)

Backwood Madness (1)

Ei koskaan yksin / Never Alone (1)

Fleak: Kekseliäs ystäväni (1)

Kapina elämän puolesta / Rebellion for Future (1)

Kesäkirja / The Summer Book (1)

Palava maa / Burnt Earth (1)

Tonttu / The Elf and the Christmas Wonder (1)

Uhma / Defiant (1)

SHORTS 

Huoneet

My Name is Hope

Underdog. 

WINNERS & NOMINEES

VUODEN ELOKUVA / BEST FILM

WINNER: Jossain on valo joka ei sammu – tuottaja Ilona Tolmunen / Elokuvatuotantoyhtiö Made

NOMINEES

100 litraa sahtia – tuottajat Jani Pösö / It’s Alive Films

Orenda – tuottajat Misha Jaari, Mark Lwoff / Bufo

Sisu 2 – tuottaja Petri Jokiranta / Subzero Film Entertainment Oy

Valitut – tuottajat Andreas Emanuelsson, Tony Österholm / Iris Film

VUODEN OHJAUS / BEST DIRECTOR

WINNER: Lauri-Matti Parppei – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Teemu Nikki – 100 litraa sahtia

Jalmari Helander – Sisu 2

VUODEN ENSEMBLE / BEST ENSEMBLE

WINNER: Pirjo Lonka, Elina Knihtilä – 100 litraa sahtia

NOMINEES

Bruno Baer, Aamu Milonoff – Elämä on juhla

Glenn Close, Emily Matthews – Kesäkirja

VUODEN PÄÄOSA / BEST PERFORMANCE FOR AN ACTOR/ACTRESS IN A LEADING ROLE

WINNER: Samuel Kujala – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Jonna Järnefelt – Huutamisen taito

Jessica Grabowsky – Valitut

VUODEN SIVUOSA / BEST PERFORMANCE FOR AN ACTOR/ACTRESS IN A SUPPORTING ROLE

WINNER: Ville Tiihonen – 100 litraa sahtia

NOMINEES

Pirjo Lonka – Teräsleidit – kuin viimeistä päivää

Sanna-Kaisa Palo – Teräsleidit – kuin viimeistä päivää

VUODEN LÄPIMURTOROOLI / BEST BREAKTHROUGH ROLE

WINNER: Anna Rosaliina Kauno – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Bruno Baer – Elämä on juhla

Ona Huczkowski – Uhma

VUODEN KÄSIKIRJOITUS / BEST SCREENPLAY

WINNER: Lauri-Matti Parppei – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Teemu Nikki – 100 litraa sahtia

Josefina Rautiainen – Huutamisen taito

VUODEN KUVAUS / BEST CINEMATOGRAPHY

WINNER: Max Smeds – Orenda

Matti Pyykkö – E

Jarkko T. Laine – Palava maa

VUODEN MUSIIKKI / BEST ORIGINAL SCORE

WINNER: Lauri-Matti Parppei – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Anna Eriksson – E

Rebekka Karijord – Valitut

VUODEN ÄÄNISUUNNITTELU / BEST SOUND DESIGN

WINNER: Juuso Oksala, Yngve Leidulv Saetre – Jossain on valo joka ei sammu

NOMINEES

Yngve Leidulv Saetre – The Helsinki Effect

Jan Alvermark – Orenda

VUODEN LEIKKAUS / BEST FILM EDITING

WINNER: Markus Leppälä, Arthur Franck – The Helsinki Effect

NOMINEES

Anna Eriksson – E

Frida Eggum Michaelsen – Jossain on valo joka ei sammu

VUODEN LAVASTUSSUUNNITTELU / BEST PRODUCTION DESIGN

WINNER: Vilja Katramo, Okku Rahikainen – Valitut

NOMINEES

Maria Hahl – 100 litraa sahtia

Nanna Hirvonen – Jossain on valo joka ei sammu

VUODEN PUKUSUUNNITTELU / BEST COSTUME DESIGN

WINNER: Eugen Tamberg – Ei koskaan yksin

NOMINEES

Mimosa Kuusimäki – Jossain on valo joka ei sammu

Jaanus Vahtra – Orenda

VUODEN MASKEERAUSSUUNNITTELU / BEST MAKEUP

WINNER: Salla Yli-Luopa – Sisu 2

Aleksanteri Jaakkola, Ari Savonen – Backwood Madness

Saara Räisänen – Valitut

VUODEN VISUAALISET TEHOSTEET / BEST VISUAL EFFECTS

WINNER: Jussi Lehtiniemi – Sisu 2

NOMINEES

Jussi Ditmer – Fleak: Kekseliäs ystäväni

Tony Alamo – Tonttu

VUODEN DOKUMENTTIELOKUVA / BEST DOCUMENTARY FEATURE FILM

WINNER: The Helsinki Effect – ohjaaja Arthur Franck, tuottajat Sandra Enkvist, Oskar Forstén, Arthur Franck / Polygraf

NOMINEES

Aurinko laskee Lemmenjoella – ohjaaja Juho-Pekka Tanskanen, tuottaja Isabella Karhu / Danish Bear Productions

Kapina elämän puolesta – ohjaaja Saku Soukka, tuottaja Oona Saari / Illume Oy

VUODEN LYHYTELOKUVA / BEST SHORT FILM

WINNER: My Name is Hope – ohjaaja Sherwan Haji

NOMINEES

Huoneet – ohjaaja Antti Lempiäinen

Underdog – ohjaaja Marjo Levlin

BETONI-JUSSI / CONCRETE JUSSI (for life achievement)

Juha "Jussi" Mäkelä

KANSAINVÄLINEN LÄPIMURTO / INTERNATIONAL BREAKTHROUGH

Jalmari Helander

YLEISÖN SUOSIKKI -KUNNIAKIRJA / AUDIENCE FAVOURITE

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NORDISK FILM AWARD

Elina Knihtilä, Pirjo Lonka