Il tempo che ci vuole / The Time It Takes

Francesca Comencini: Il tempo che ci vuole / The Time It Takes (FR/IT 2024). Romana Vergano (Francesca Comencini) and Fabrizio Gifuni (Luigi Comencini). 

 

Prima la vita (French title)

    IT/FR 2024.

Réalisation : Francesca Comencini

Scénario : Francesca Comencini

Photographie : Luca Bigazzi

Montage : Francesca Calvelli, Stefano Mariotti

Producteur : Simone Gattoni, Marco Bellocchio, Beppe Caschetto, Bruno Benetti, Sylvie Pialat

Production : Kavac, IBC Movie, OneArt, Les Films du Worso, Rai Cinema

Langue originale : italien

Format : couleurs

Genre : Comédie dramatique

Durée : 110 minutes

    Dates de sortie :

Italie : 6 septembre 2024 (Mostra de Venise 2024) ; 26 septembre 2024 (sortie nationale)

France : 12 février 20254

    Distribution

Fabrizio Gifuni (Luigi Comencini), Romana Vergano (Francesca Comencini), Anna Mangiocavallo (Francesca enfant), Luca Donini (Clemente), Daniele Monterosi (Cesare), Luca Massaro (Chat), Giuseppe Lo Piccolo (Renard)

    Production

Le film est annoncé en 2021 sous le titre de travail Prima la vita, poi il cinema5,6. Le tournage commence à Rome à la fin du  mois d'août 2023.

    Distributeur : Pyramide Distribution - sous-titres francais Nino Dufour

  Vu MK2 Odéon (Côté St-Michel), 7 rue Hautefeuille, 6e, M° Odéon

Présentation

    Un père et sa fille habitent les mondes de l’enfance. Il lui parle avec respect et sérieux, comme à une grande personne, il l’entraîne dans des univers magiques, débordants de vie et d’humanité. Il est le grand cinéaste de l’enfance et travaille sur Pinocchio. Un jour, la petite fille devient une jeune femme et l’enchantement disparaît. Elle comprend que la rupture avec l’enfance est inéluctable et a le sentiment qu’elle ne sera plus jamais à la hauteur de son père. Alors, elle commence à lui mentir et se laisse aller, jusqu’au bord du gouffre. Le père ne fera pas semblant de ne pas voir. Il sera là pour elle, tout le temps qu’il faut.

Fille de Luigi Comencini, Francesca Comencini a pendant longtemps fait en sorte de se distinguer de son père en tournant notamment des documentaires et séries. Avec Prima la vita, elle effectue un travail de mémoire qui la ramène 50 ans en arrière. « Pendant le confinement, alors que les cinémas étaient fermés et qu’on prédisait la mort du septième art, j’ai eu un déclic et me suis mise à écrire ce scénario. J’ai ravivé des souvenirs fondateurs et réalisé que, malgré tous mes efforts pour ne pas être considérée comme la fille de mon père, c’est bien cette filiation qui m’avait guidée toute ma vie et avec laquelle je me réconcilie ici », explique Francesca Comencini.

Francesca Comencini a écrit et réalisé Prima la vita. Précédemment, Francesca Comencini a aussi réalisé Une journée à Rome en 2012, A casa nostra en 2006, J'aime travailler en 2004 et Carlo Giuliani, ragazzo en 2002.

La musique a été composée par Fabio Capogrosso, qui avait composé auparavant la bande son du film Le Déluge en 2024.

Parmi les actrices et acteurs principaux, on a pu voir au cinéma Fabrizio Gifuni dans L'Enlèvement (2023) et Fais de beaux rêves (2015) et Romana Vergano dans Cabrini (2024) et Il reste encore demain.

Il tempo che ci vuole est une comédie dramatique franco-italienne réalisée par Francesca Comencini et sortie en 2024. Le film s'inspire de la relation de la réalisatrice Francesca Comencini avec son père, le célèbre réalisateur italien Luigi Comencini.

Synopsis

Pendant la période des années de plomb, caractérisée par des luttes politiques et sociales, un père et sa fille partagent une passion pour le cinéma.

AA: Francesca Comencini's Il tempo che ci vuole is an affectionate and engrossing coming-of-age saga of a young film-maker, whose father happens to be one of the giants of Italian cinema: Luigi Comencini. 

Although there are charming film references all along, most importantly from silent movies, such as Giulio Antamoro's Pinocchio (IT 1911), and G. W. Pabst's early talkie L'Atlantide (DE/FR 1932) with Brigitte Helm, Luigi Comencini's own films are not in the center, although there are important episodes of the little Francesca on the sets of her father's film productions.

In her father's magnificent library, Francesca reads a large format edition of Carlo Collodi's Pinocchio. Inspired by Collodi's mostro marino dad takes Francesca to see a touring display of a whale where she is at first too scared to enter the tent. At school a boy schoolmate is bullied, and dad intervenes in strong terms to stop it, to the shock of the entire school, and to the embarrassment of Francesca.

Francesca portrays herself in unflattering terms as a cumbersome child who is at the wrong place in the wrong time, even messing a film production on location where there is a race against time to catch the magic hour. But dad declares to everyone: "prima la vita". Life first. That is his answer to the Francois Truffaut questions in La Nuit américaine: "Are women magic?" "Is film more important than life?"

It gets much worse. Francesca becomes a teenager in the worst possible time, anni di piombo, the time of the terrorist movements of Brigate Rosse and the assassination of Aldo Moro. Dad is heart-broken to discover Francesca on the side of the terrorists. She also takes drugs and lies to dad about it. The confrontation turns violent in Paris. Luigi is getting weak with Parkinson's. 

There is a reconciliation when Francesca apologizes for lying about the drugs. Luigi gets to see his grandchild and learn about Francesca's debut film in the planning: "a film about my difficult years". Luigi declares that it is a film he does not need to see. "I never made an autobiographical film. I made films for the people - not about myself." He breaks into tears when Paisà is on television. It's too great, better than anything he ever made. But then hardly anybody has.

The film ends in the mode of magical realism: a melange of fantasy and reality, a summing up in a flight of fancy, complete with a beautiful montage of early cinema féeries. In the end credits we learn that all early cinema clips are from films that Luigi Comencini as a film archive pioneer preserved at the Cineteca Italiana (Milano).

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In real life, Luigi Comencini had four daughters. Children were a key subject in his cinema from the beginning to the end.

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AA: LUIGI COMENCINI - IN ELOKUVANTEKIJÄT (2012)

Luigi Comencini

*8.6.1916 Salò, †6.4.2007 Rooma.

Italialainen elokuvaohjaaja, tv-ohjaaja, käsikirjoittaja, arkkitehti, elokuvakriitikko, journalisti, Cineteca Italianan perustajia.

La novelletta (lk, dok, 1937), Bambini in città (lk, dok, 1946), Pikku lurjuksia (Proibito rubare, 1948), L'imperatore di Capri (1949), L'ospedale del delitto (lk, dok, 1950), Suljettujen verhojen takana (Persiane chiuse, 1951), Valkoista orjakauppaa Napolissa (La tratta delle bianche, 1952), Pikku Heidi (Heidi, CH 1952), La valigia dei sogni (1953), Leipää, rakkautta ja unelmia (Pane, amore e fantasia, 1953), Rakkauden huumaa, mustasukkaisuutta (Pane, amore e gelosia, 1954), La bella di Roma (1955), La finestra sul Luna Park (IT/FR 1957), Mariti in città (1957), Mogli pericolose (1958), Und das am Montagmorgen (DE 1959), Le sorprese dell'amore (1959), Sodan helvetti (Tutti a casa, IT/FR 1960), Pako helvettiin (A cavallo della tigre, 1961), Il commissario (1962), Buben tyttö (La ragazza di Bube, IT/FR 1963), jakso Fatebenefratelli elokuvassa Tre notti d'amore (1964), jakso Eritrea elokuvassa La mia signora (1964), jakso Il trattato di eugenetica elokuvassa Nuket (Le bambole, IT/FR 1965), Kurvikas valehtelijatar (La bugiarda, US/FR/ES/IT 1965), Toveri Camillo (Il compagno Don Camillo, IT/FR/DE 1965), Incompreso (IT/FR 1966), Italian Secret Service (IT/FR 1968), Casanova Venetsiassa (Infanzia, vocazione e prime esperienze di Giacomo Casanova, veneziano, 1969), Senza sapere niente di lei (1969), I bambini e noi 1–6 (tv-sarja, 1970), Le avventure di Pinocchio (tv-sarja ja elokuva, IT/FR/DE 1972), Korkeat panokset (Lo scopone scientifico, 1972), Delitto d'amore (1974), Reikä yöpaidassa (Mio Dio como sono caduta in basso!, 1974), La donna della domenica (IT/FR 1975), jaksoja elokuvaan Signore e signori, buonanotte! (FR/IT 1976), jakso L'equivoco elokuvaan Basta che non si sappia in giro!... (1976), jakso L'ascensore elokuvaan Quelle strane occasioni (1976), Il gatto (IT/FR 1977), Stop – mutka matkassa (L'ingorgo – una storia impossibile, IT/FR/DE/ES 1979), Eugenio (Voltati Eugenio, IT/FR 1980), Il matrimonio di Caterina (tv, IT 1982), Cercasi Gesù (IT/FR 1982), Cuore (tv, IT/FR 1984), La storia 1–3 (La storia 1–3, tv-sarja, IT/FR/DE/ES 1986), Un ragazzo di Calabria (IT/FR 1987), jakso tv-sarjaan Les Français vus par (FR 1988), La Bohème (FR/IT/GB 1988), Buon Natale... Buon anno (IT/FR 1989), Marcellino (ES/IT/FR 1991).

Commedia all'italianan mestareita.

Luigi Comencini syntyi insinööriperheeseen, vietti lapsuusvuosia Pariisissa, valmistui arkkitehdiksi Politecnico di Milanosta, nai ruhtinatar Giulia Grifeo di Partannan, syventyi elokuvan historiaan ystäviensä Alberto Lattuadan ja Marco Ferrerin kanssa, toimi elokuvakriitikkona ja kuului Milanon Cineteca Italianan perustajiin. C. tuli elokuva-alalle apulaisena ja lyhyiden dokumenttielokuvien ohjaajana ja palkittiin orpolapsia kuvaavasta elokuvasta Bambini in città.

C:sta tuli "vaaleanpunaisen neorealismin" perustajia suursuosion saaneilla komedioillaan Leipää, rakkautta ja unelmia ja Rakkauden huumaa, mustasukkaisuutta, joissa esiintyivät Gina Lollobrigida ja Vittorio De Sica. Niissä Italian köyhimpien vitaalisuus ja huumorintaju on talttumaton.

C. oli alusta pitäen mukana kehityksessä, joka johti commedia all'italianan kukoistukseen, ja hänen ohjattavikseen tulivat Italian suurimmat näyttelijät usein parhaissa rooleissaan: Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Sylva Koscina, Nino Manfredi, Silvana Mangano, Marcello Mastroianni, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Totò. C. oli naiskauneuden ymmärtäjä, joka antoi upeille naistähdille haastavia rooleja.

Parhaan vireensä C. löysi "hienostuneessa ja syvällisessä" (Jean A. Gili) elokuvassa La finestra sur Luna Park. C:n suurin kausi oli 1960-luvun alussa. Neljässä luotauksessa italialaiseen yhteiskuntaan komedia ja tragedia iskivät yhtäläisellä voimalla. Sodan helvetti sävähdytti kuvauksella kesän 1943 tapahtumista. Aikalaiskuvaus Pako helvettiin sijoittui vankilaan. Elokuvassa Il commissario Sordi esitti poliisia, joka saa tutkiakseen tunnetun poliitikon murhan. Buben tyttö sijoittui vastarintaliikkeen aikaan, pääosassa Cardinale.

C. suolsi kevyttä viihdettä mutta paljasti ajoittain leijonankyntensä. Vuosina 1969–1980 hänen pääteoksiinsa kuuluivat Casanova Venetsiassa, Korkeat panokset, Delitto d'amore, Reikä yöpaidassa, Stop – mutka matkassa ja Eugenio. C. ohjasi myös kunnianhimoisia tv-sarjoja, joista Suomessa on nähty ainakin Elsa Moranten romaaniin perustuva La storia, pääosassa Cardinale.

Humoristi C:n näkemys synkistyi vuosien mittaan, ja hänestä tuli pessimistinen moralisti, joka pettyi ihmisen tilaan.

C. oli ensimmäisestä pitkästä elokuvastaan viimeiseen saakka lasten kuvaaja esimerkiksi elokuvissa Bambini in città, Pikku lurjuksia, Heidi, La finestra sur Luna Park, Incompreso, I bambini e noi, Eugenio, Le avventure di Pinocchio, Cuore, Un ragazzo di Calabria ja Marcellino. Lapset merkitsivät toivoa. 

Kirjoja: Luigi Comencini: Enfance, vocation, expériences d’un cinéaste. Nimes: Jacqueline Chambon, 2000. – Jean A. Gili: Luigi Comencini. Rooma: Gremese, 2003.

Straume / Flow

 

Gints Zilbalodis: Straume / Flow (LV/BE/FR 2024).

Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau

    LV/BE/FR 2024

Réalisation : Gints Zilbalodis

Animation

Durée : 1h24

    Festival premiere: 22 May 2024 Cannes

Latvian premiere: 28 Aug 2024

French premiere : 30 octobre 2024 : UFO Distribution

Finnish premiere: 28 March 2025 : ELKE

    Vu samedi, le 22 février 2025 Luminor Hôtel de Ville, 20 rue du Temple, 4e, M° Hôtel de Ville

L'Officiel des Spectacles: Présentation

Un chat se réveille dans un univers envahi par l'eau où toute vie humaine semble avoir disparu. Il trouve refuge sur un bateau avec un groupe d'autres animaux. Mais s'entendre avec eux s'avère un défi encore plus grand que de surmonter sa peur de l'eau ! Tous devront désormais apprendre à surmonter leurs différences et à s'adapter au nouveau monde qui s'impose à eux.

Cinéaste et animateur letton, Gints Zilbalodis s'est fait remarquer en réalisant son premier long-métrage Ailleurs, complètement seul. Quatre ans après, il présente Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau. Dans ces projets, il attache une grande importance aux espaces naturels et aux animaux. « J’ai toujours aimé me promener dans la nature. Et j’ai eu des chats puis des chiens plus tard, pendant mon adolescence. Tout cela m’a inspiré. La raison pour laquelle ces environnements sont récurrents dans mes films est toute simple : comme je passe de longues années à les créer, je préfère que mes histoires se déroulent dans des panoramas qui me plaisent », explique Gints Zilbalodis.

Wikipédia: Fiche technique

Titre original : Straume

Titre français : Flow, le chat qui n'avait plus peur de l'eau

Réalisation : Gints Zilbalodis

Scénario : Gints Zilbalodis et Matīss Kaža (lv)

Musique : Gints Zilbalodis et Rihards Zaļupe (lv)

Son : Gurwal Coïc-Gallas

Direction d'animation : Léo Silly-Pélissier

Production : Matīss Kaža, Ron Dyens et Gregory Zalcman

Sociétés de production : Dream Well Studio, Take Five, Sacrebleu Productions, en association avec 3 SOFICA

Sociétés de distribution : UFO Distribution (France), Baltic Content Media (Lettonie)

Budget : 3,5 millions d'euros

Pays de production : Drapeau de la Lettonie Lettonie, Drapeau de la France France, Drapeau de la Belgique Belgique

Langue : aucune (sans dialogue)

Format : couleur — 2,00:1

Genre : animation, aventure, survie

Durée : 85 minutes

Logiciel d'animation par ordinateur Blender.

Le film contient 22 séquences et 307 plans. Le style d'animation se veut naturaliste, fluide, à 24 i/s. La production de l'animation se fait en 6 mois, à raison d'une moyenne de 2 secondes par jour par animateur. L'équipe d'animation se sert de multiples références photos et vidéos pour arriver à reproduire le comportement et le mouvement des personnages.

Gints Zilbalodis ne fait pas de storyboard pour ce film. Il crée un environnement 3D immense dans lequel il place des caméras virtuelles pour faire sa mise en scène en direct.

Les cris des animaux sont pour la plupart de véritables cris d'animaux enregistrés. Le seul qui ne correspond pas à la réalité est celui du capybara, qui est difficile à enregistrer car il crie peu ; il doit pour cela être chatouillé pendant les prises et son cri s'avère si étrange que le résultat risque de surprendre le public. L'équipe opte finalement pour des enregistrements de cris de chamelon pour les bruits du capybara.

AA: Gints Zilbalodis's Straume / Flow comes highly recommended. Already in August I heard great buzz from friends in Riga, soon also from Paris, to the tune of "the best film in the programme".

Straume meets all expectations. It is a great animation and original in many ways.

It is a Blender computer animation, something new to me that I need to learn and understand. The end result is compelling. The animation is reduced in many scenes, but limitations can be effective, better than the overworked and hyper-detailed approach. The emphasis is in keeping movement smooth and engaging. Details may remain sketchy. That is the art of non finito.

Straume is a non-speaking film. It takes entirely place in the animal world, in the three elements of the earth, the water and the sky. The animals are not anthropomorphic. Stylized they are, but in a way that is true to the animal spirit. Let's remember the meaningful link of "animal" and "animation". Humans are animals, too, but worse for animation than other animals.

The cat is of course a beloved animation subject since Felix the Cat (1919), Walt Disney's Alice in Cartoonland with Julius the Cat (1923), Tom and Jerry (1940) and Sylvester the Cat (1945). Zilbadolis's cat is a worthy entry to the company.

The cast of characters includes a Labrador retriever, a fox, a bear, rabbits and a stampeding deer herd. More exotic figures include a capybora, a secretarybird and a ring-tailed lemur. There is even a whale mutant. An eclectic mix from different parts of the Earth. Humans seem extinct. Only ruins remain: wrecked ships and boats, and a huge Buddhist city in Southeast Asia.

A deluge of Biblical proportions takes place. This is no ordinary tsunami. Straume starts as a chase story and grows into an existential thriller, a struggle for life and death, animals against each other, then against the elements, and in the finale in collaboration in a race against time to save all from the rescue vessel hanging over the abyss. Even the mutant whale is saved from dry ground back to the ocean.

The movie is full of unusual detail, such as a glass float (used for fishers as a net marker) and a special Mediterranean boat called the felucca.

Straume is a celebration of the essence of animation in underwater scenes in which the cat learns to swim, instructed by the capybora. In breathtaking ascents to huge towers and falls to the bottom of the ocean the physical turns into metaphysical. In visions of the sky a genuine cosmic feeling takes over. At times Straume borders on psychedelia.

Straume is not anthropomorphic, but the perception of the world remains human. Animal perception might be impossible to convey and make sense of.

Dis-moi juste que tu m’aimes / Out of Control

Anne Le Ny: Dis-moi juste que tu m'aimes / Out of Control (FR 2024) avec Omar Sy (Julien), Élodie Bouchez (Marie), José Garcia (Thomas) et Vanessa Paradis (Anaëlle).

FR 2024.

Réalisation : Anne Le Ny

Scénario : Anne Le Ny et Axelle Bachman

Musique : Benjamin Esdraffo

Décors : Samuel Deshors

Costumes : Camille Rabineau

Photographie : Laurent Dailland

Son : Logan Lelièvre et Frédéric de Ravignan

Montage : Virginie Bruant

Production : Bruno Levy

Production exécutive : Sylvie Peyre

Société de production : France 2 Cinéma, Korkoro, Move Movie et SND

Société de distribution : SND

Pays de production : Drapeau de la France France

Langue originale : français

Format : couleur — 2,39:1 — son 5.1

Genre : Drame

Durée : 111 minutes

    Dates de sortie :

Estonie : 16 novembre 2024 (Tallinn)

France : 19 février 2025

    Distribution

Omar Sy : Julien

Élodie Bouchez : Marie

Vanessa Paradis : Anaëlle

José Garcia : Thomas

Sophie Ricci : Gwen

Marie Ayissi : Maelys

    Vu samedi, le 22 février 2025, UGC Ciné Cité Les Halles, Salle 4, Pl. de la Rotonde Forum des Halles, accès Porte du Jour, M° Les Halles, Paris 1er  

Présentation L'Officiel des Spectacles: 

" Au bout de 15 ans de mariage, une crise met à l'épreuve l'union de Julien et Marie. Dans le couple, cette dernière a toujours été celle qui aimait le plus, aussi, au moment où Anaëlle, le grand amour de jeunesse de son mari Julien, réapparait dans le paysage, Marie panique. Perdue dans une spirale infernale de jalousie et d'autodépréciation, Marie se laisse entraîner dans une aventure avec Thomas, son nouveau supérieur hiérarchique. Celui-ci va se révéler aussi manipulateur que dangereux, jusqu'à faire basculer leur liaison dans le fait divers. "

" Avec son nouveau long-métrage, Anne Le Ny présente ce qu'elle appelle un thriller domestique, centré sur un couple joué par Omar Sy et Élodie Bouchez. « J’avais envie d’explorer ce qui se passe au milieu de la relation ! C’est un moment où les fondations du couple sont solides, mais où, avec l’arrivée des enfants, la relation est devenue une "petite entreprise" qu’il faut faire tourner. Marie et Julien sont accaparés par leurs obligations familiales et professionnelles et ils ne se parlent plus beaucoup. C’est un moment où leur couple a besoin d’un second souffle », décrit la cinéaste. "

" Avant Dis-moi juste que tu m'aimes, Anne Le Ny a réalisé Le Torrent en 2022, La Monnaie de leur pièce en 2018, On a failli être amies en 2013 et Cornouaille en 2011. "

" Le scénario du film a été écrit par Anne Le Ny, qui avait déjà écrit Le Torrent en 2022, Cornouaille en 2011, Les Invités de mon père en 2009 et Didine en 2007. "

" La musique a été composée par Benjamin Esdraffo, qui avait composé auparavant la bande son des films Trois Amies en 2024, Iris et les hommes en 2023, Le Torrent en 2022 et Petite Solange en 2021. "

" Parmi les actrices et acteurs principaux, on a pu voir au cinéma Omar Sy dans The Killer (2024) et Jurassic World : Le Monde d'après (2022) ; Élodie Bouchez dans L'Amour ouf (2024) et Je verrai toujours vos visages (2023) et Vanessa Paradis dans Juniors (2023) et Les Complices (2023). "

AA: A family's happiness is jeopardized when Marie (Élodie Bouchez) spies on her husband Julien's (Omar Sy) pad and discovers text messages from his old girlfriend Anaëlle (Vanessa Paradis) who has just come back. Marie is seriously disturbed but finds solace in the company of Thomas (José Garcia) who is about to become her boss.

The film starts as an account of midlife crisis, a psychological drama of relationships and a family emergency.

In the final acts there is a surprise twist. The psychological drama becomes a thriller. Thomas, whom we have known as a stable and rational man, a safe harbour in the turmoil of Marie's life, turns into a psychopath, who appears uninvited in Marie's home, stalks her and worse. The film is story-driven, it has physical suspense sequences and a race-to-the-rescue finale, but the story is not its most compelling aspect.

I have seen two previous films directed by Anne Le Ny, Ceux qui restent / Those Who Remain (FR 2007) and On a failli être amies / Almost Friends (FR 2014). Like them, Dis-moi juste que tu m'aimes is distinguished by great performances. They have dimensions, nuance, energy and emotional authenticity. A feeling of the real.

As in the previous Le Ny films I have seen the cinematography is radiant and exquisite, with a vivid sense of life and a feeling for the milieu. They have been shot by different cinematographers, all in glorious scope. A feast to the eyes at UGC Ciné Cité Les Halles, Salle 4.

Édouard et Caroline / Edward and Caroline (séance présentée par Frédéric Bonnaud, Dominique Païni, Cécile Boisrond and François Boisrond)

Jacques Becker: Édouard et Caroline / Edward and Caroline (FR 1951) avec Daniel Gélin (Édouard Mortier) et Anne Vernon (Caroline Mortier).

Edward and Caroline / Vastanaineet / Vigda i går (Swedish title in Finland) / Edvard och Caroline (Swedish title in Sweden).

FR 1951

    Générique : la Cinémathèque française :

Réalisateur : Jacques Becker

Assistants réalisateurs : Marcel Camus, Michel Clément

Scénaristes : Annette Wademant, Jacques Becker

Dialoguiste : Annette Wademant

Sociétés de production : UGC - Union Générale Cinématographique, C.I.C.C. - Compagnie Industrielle et Commerciale Cinématographique

Producteur : Raymond Borderie

Directeur de production : Robert Bossis

Distributeur d'origine : A.G.D.C. - Alliance Générale de Distribution Cinématographique

Directeur de la photographie : Robert Lefebvre

Cadreur : Paul Soulignac

Ingénieur du son : William Robert Sivel

Compositeur de la musique originale : Jean-Jacques Grünenwald

Décorateur : Jacques Colombier

Costumier : Carven

Maquilleur : Joseph Mejinsky

Monteur : Marguerite Renoir

Script : Colette Crochot

Régisseur : André Michaud

Photographe de plateau : Henri Thibault

    Interprètes : Daniel Gélin (Edouard Mortier), Anne Vernon (Caroline Mortier), Jacques François (Alain Beauchamp), Jean Galland (Claude Beauchamp), Betty Stockfeld (Lucy Barville), Elina Labourdette (Florence Borch), William C. Tubbs (Spencer Borch), Jean Toulout (Barville), Yette Lucas (Madame Leroy, la concierge), Grégoire Gromoff (Igor, l'extra), Jean Marsac (Foucart), Jean Riveyre (Julien), Hélène Duc (Olivia, l'invitée mélomane), Edmond Ardisson (le coiffeur), Jean-Pierre Vaguer (Ernest), Charles Bayard (un invité), Louis Vonelly (un invité), Micheline Rolla (une invitée), Pierre Marnat (un invité)

    85 min

    Annette Wademant. Ouverture de la rétrospective. Séance présentée par Frédéric Bonnaud, Dominique Païni, Cécile Boisrond et François Boisrond

    DCP vu mercredi, le 19 février 2025, La Cinémathèque française, Rétrospective Annette Wademant, Salle Henri Langlois, 51 Rue de Bercy, 75012 Paris, M° Bercy Lignes 14, 6

La Cinémathèque française : " Alors qu'il se prépare pour une soirée mondaine, un couple voit poindre une crise conjugale. Sur un scénario d'Annette Wademant, Becker concocte une comédie de mœurs fine et réaliste, inspirée par leur propre vie à deux. Une fantaisie à la fois élégante et spirituelle, qui met à l'honneur la complicité de Daniel Gélin et Anne Vernon. "

AA: There was an agreeable family atmosphere in the opening of the Annette Wademant retrospective. Her two children with the director Michel Boisrond, the director Cécile Boisrond and the painter François Boisrond, were guests of honour hosted by Frédéric Bonnaud and Dominique Païni.

Édouard et Caroline was Wademant's first film as a screenwriter, followed by two other Jacques Becker collaborations, Casque d'Or (n.c.) and Rue de l'Estrapade. She continued in Madame de... and Lola Montès for Max Ophuls, followed by many collaborations with her husband Michel Boisrond. She also wrote for Henri Verneuil, Marc Allégret and Philippe Garrel.

Anne Vernon had had her movie debut (n.c.) in Becker's Falbalas (1945). Also Daniel Gélin had worked with Becker before, in Rendez-vous de juillet. In Édouard et Caroline their chemistry was so convincing that Becker cast them together again in Rue de l'Estrapade. Anne Vernon is 101 as I write and fondly remembered for Les Parapluies de Cherbourg in which her Madame Émery, mother of Geneviève (Catherine Deneuve) is as radiant as her daughter. Daniel Gélin had a great career in theater, cinema and television, also as director. He worked with Pabst, Guitry, Duvivier, Hitchcock, Costa-Gavras, Chabrol, Duras, Malle, Ruiz, Scola, Lelouch and many others.

After the Occupation and the Liberation, Becker directed four films about contemporary life (Antoine et Antoinette, Rendez-vous de juillet, Édouard et Caroline, Rue de l'Estrapade) that seem mere soufflés plotwise but prove unconventional in the psychology of relationships and unorthodox in the portrait of the society.

A story of newlyweds is predictably a love story, but Becker and Wadamant present it as a hate story, and as such a story it is not coy. Starting a life together means testing boundaries. Young people are still in the process of finding themselves. How can you know the other when you don't even know yourself? It is a process of attraction and rejection. It's turns violent. Things are broken. They hit each other. Divorce is imminent.

The trifling plot circles around the angry young pianist Édouard needing to borrow a dinner jacket from Caroline's cousin. Meanwhile, Caroline cuts her dress short, infuriating Édouard. Caroline's rich uncle has arranged a soirée in which Édouard is the star performer, and although he has too much to drink, he plays Chopin con brio on the Pleyel grand piano.

To create substance from such feather light material is harder than tackling big people, big subjects, big stories and big themes. 

Jean Renoir was a major inspiration in post-war cinema. Luchino Visconti, who directed the first neorealist film, Ossessione, had been Renoir's assistant in Les Bas-fonds and Partie de campagne. In the year of Édouard et Caroline, Renoir released a new film, too: The River, shot in Calcutta. The assistant was Satyajit Ray, who went on to launch a new wave in Indian cinema.

Jacques Becker had a long collaboration with Renoir. He had befriended Renoir in 1924 at the house of Paul Cézanne and worked as an assistant director in nine of Renoir's 1930s films, from La Nuit du carrefour until La Marseillaise. However, it is La Règle du jeu, in which Becker did not contribute, which has most points of affinity with Édouard et Caroline. The portrait of a class society caught in action. The satire without agenda, thesis or tendency. The art of seeing in the surface.

The most direct link is Marguerite Renoir - the editor of both Jean Renoir (14 films before the war) and Jacques Becker (12 films - all his feature films except Arsène Lupin).

A brilliant DCP from Gaumont does justice to the black levels of the cinematography of Robert Lefebvre.

BEYOND THE JUMP BREAK

The Brutalist

Brady Corbet: The Brutalist (US/GB/HU 2024) with Guy Pearce (Harrison Lee Van Buren), Adrien Brody (László Toth) and Felicity Jones (Erzsébet Toth).

Wikipédia L'encyclopédie libre: Fiche technique

Titre original et francophone : The Brutalist

    2024. Pays de production : États-Unis, Royaume-Uni, Hongrie. Sociétés de production : Andrew Lauren Productions, Protagonist Pictures, Brookstreet Pictures, Killer Films, Three Six Zero Group, Intake Films, Proton Cinema. Production : Brady Corbet, Nick Gordon, D. J. Gugenheim, Andrew Lauren, Trevor Matthews, Andrew Morrison, Brian Young. Production exécutive : David Hinojosa, Pamela Koffler, Christine Vachon. Production associée : Maddie Browning, Alexa Goldberg, Joseph King Salwen

    Réalisation : Brady Corbet

Scénario : Brady Corbet et Mona Fastvold

Photographie : Lol Crawley (en) Format : couleur - 35 mm (Vistavision) - 1,85:1 - Dolby Digital

Décors : Judy Becker (en)

Costumes : Kate Forbes

Musique : Daniel Blumberg (en)

Montage : Dávid Jancsó (en)

    Distribution

Adrien Brody : László Toth

Felicity Jones : Erzsébet Toth

Guy Pearce : Harrison Lee Van Buren

Joe Alwyn : Harry Lee Van Buren

Raffey Cassidy : Zsófia

Ariane Labed : Zsófia adulte

Stacy Martin : Maggie Van Buren

Isaach de Bankolé : Gordon

Emma Laird : Audrey

Alessandro Nivola : Attila

Jonathan Hyde : Leslie Woodrow

Peter Polycarpou : Michael Hoffman

Maria Sand : Michelle Hoffman

Salvatore Sansone : Orazio

Michael Epp : Jim Simpson

    Genre : drame

    Langue originale : anglais, yiddish, hongrois, italien

    Durée : 215 minutes + a 15 minute intermission with a countdown screen

    Sociétés de distribution : A24 (États-Unis), Universal Pictures (France)

    Dates de sortie :

Italie : 1er septembre 2024 (Mostra de Venise)

États-Unis : 20 décembre 2024 (sortie nationale)

France : 12 février 2025

Finlande : 28 février 2025

  Vu dimanche, le 16 février 2025, MK2 Bastille (Côté Beaumarchais), 4 boulevard Beaumarchais, Paris 11e

Wikipédia: "The Brutalist est un drame américano-britannico-hongrois, co-produit, co-écrit et réalisé par Brady Corbet, sorti en 2024.

Le film est acclamé par la critique pour sa réalisation, son scénario, ses performances, sa cinématographie et sa musique. Le film reçoit plus de 110 prix pour plus de 310 nominations1. Il est nommé l’un des dix meilleurs films de 2024 par l’American Film Institute.

Synopsis

Après la Seconde Guerre mondiale, László Toth, un architecte juif ashkénaze né en Hongrie survivant d'un camp de concentration émigre aux États-Unis avec son épouse Erzsébet pour enfin connaître le « rêve américain ».

Résumé détaillé

Ouverture

László Tóth, survivant juif hongrois de l'Holocauste, séparé de force de sa femme et de sa nièce orpheline après avoir été envoyé au camp de concentration de Buchenwald, émigre aux États-Unis. Alors que son navire entre dans le port de New York, il aperçoit la Statue de la Liberté. Architecte formé au Bauhaus, László se rend en bus à Philadelphie, où il reste avec son cousin Attila et l'épouse catholique de celui-ci, Audrey, pendant qu'il cherche du travail. Tout juste arrivé, Attila accueille László en lui révèlant que sa femme Erzsébet et sa nièce Zsófia sont toujours en vie, mais coincées en Europe en raison de la mauvaise santé d'Erzsébet.

Partie 1 : L'enigme de l'arrivée - 1947-1952

En 1947, Attila propose à László de travailler dans son magasin de meubles. Il est logé dans une chambre de fortune, situé dans un placard caché derrière la salle d'exposition du magasin, et utilise une salle de bain de service à l'arrière du bâtiment. Il apprend également qu'Attila a abandonné ses origines juives et s'est assimilé à la culture américaine en nommant son business "Miller & Sons" (ce dernier n'ayant même pas d'enfants non plus).

Ils sont bientôt chargés de rénover la bibliothèque d'un immense manoir appartenant au riche industriel Harrison Lee Van Buren, à la demande de son fils Harry, pendant que son père est absent. Harry leur propose 1 000$ pour la rénovation, mais László le convainc que les travaux couteront le double, ce que Harry accepte. Après une soirée arrosée dans l'appartement d'Attila et Audrey pour fêter cela, cette dernière exprime son dédain pour László et suggère qu'il vive ailleurs.

De retour au manoir et les travaux tout juste finis, Harrison rentre à la maison plus tôt que prévu, et est furieux de découvrir cette "rénovation surprise". Il licencie les hommes sur le champ et son fils Harry refuse de payer les honoraires. Attila exige que László quitte leur maison, le blâmant pour l'échec du projet et l'accusant à tort d'avoir dragué sa femme (sous-entendant qu'elle a menti pour assurer son expulsion). Trois ans plus tard, László, devenu héroïnomane, travaille comme ouvrier pour charger du charbon et vit dans un logement social avec Gordon, un père célibataire afro-américain avec lequel László s'est lié d'amitié peu après son immigration alors qu'il faisait la queue à une soupe populaire. Un jour, Harrison rend visite à László sur son lieu de travail afin de lui présenter ses excuses, et lui apprendre que la rénovation de sa bibliothèque a été publiée dans un article paru dans un magazine architectural populaire. Curieux, Harrison découvre que László était un architecte accompli en Europe et que certains de ses travaux ont survécu à la guerre.

Harrison paie à László les 2 000$ d'honoraires que son fils avait refusé de payer au départ - que Gordon et László dépenseront ensuite en héroïne - et invite László à une fête en son honneur, où il lui demande de construire un grand projet en hommage à la défunte mère d'Harrison : un centre communautaire comprenant une bibliothèque, un théâtre, un gymnase et une chapelle, le tout dans un seul et même bâtiment. Les travaux commencent immédiatement, László vivant et travaillant sur place et employant Gordon - tous deux encore héroïnomanes. Harrison présente László à son avocat personnel, qui accélère l'immigration de la femme et de la nièce de László.

Partie 2 : La dureté de la beauté - 1953-1960

Après un entracte de 15 minutes, le film reprend.

En 1953, László accueille Erzsébet et Zsófia à la gare et découvre qu'en raison de la guerre, sa femme Erzsébet, atteinte d'ostéoporose causée par la famine, est en chaise roulante, et sa nièce Zsófia est incapable de parler. Lors d'un déjeuner, Harrison est étonné d'apprendre qu'Erzsébet a étudié à Oxford en Angleterre, ayant un meilleur accent anglais que son mari qui vit pourtant maintenant depuis 5 ans aux Etats-Unis, et qu'Harrison insulte d'accent de "cireur de chaussures".

Pendant la construction du centre communautaire, László se heurte aux entrepreneurs et aux consultants embauchés par Harrison qui s'écartent de sa conception afin de réduire les coûts budgétaires, et à Harry qui l'insulte en lui disant que lui et sa famille sont uniquement « tolérés », et faisant des remarques obscènes sur Zsófia. László avertit Zsófia d'éviter Harry bien que celui-ci l'a apparemment déjà agressée. Après le déraillement d'un train transportant des matériaux, causant des blessés graves, et les frais juridiques qui en découlent, Harrison arrive sur le chantier furieux et annonce à László que le projet est abandonné et licencie tous les ouvriers sur le champ.

En 1958, László et Erzsébet s'installent à New York, où il travaille comme dessinateur dans un cabinet d'architecture, et elle en tant que rédactrice de la section cosmétique pour un journal. Zsófia, qui a recouvré la capacité de parler, attend un enfant avec son mari, Binyamin. Ils annoncent qu'ils font leur Aliyah et qu'ils déménagent à Jérusalem. László annonce en même temps qu'Harrison l'a recontacté pour relancer le projet de construction et l'invite à se rendre en Italie pour quelques jours. Ces 2 nouvelles laissent Erzsébet triste, se sentant seule et abandonnée.

László retrouve Harrison dans les mines de Carrare pour acheter du marbre. Le soir même, après une soirée arrosée, Harrison viole un László ivre, l'insultant de sangsue sociale, qui ne demande qu'à être persécuté. De retour aux Etats-Unis, László, encore traumatisé par ce qu'il s'est passé, devient de plus en plus belliqueux, licenciant impulsivement Gordon lors d'une dispute. Il se lamente auprès d'Erzsébet qu'ils ne sont pas les bienvenus en Amérique, lui expliquant les mépris qu'il a subi de la part d'Harrison, Harry et Audrey.

Après que László ait failli tuer Erzsébet en lui donnant de l'héroïne pour soulager la douleur de son ostéoporose, elle propose qu'ils vivent à Jérusalem avec Zsófia et sa famille, ce qu'il accepte. Peu de temps après, Erzsébet, qui utilise désormais un déambulateur au lieu d'un fauteuil roulant, rend visite un soir à Harrison et le traite de violeur devant sa famille et ses associés. Son fils Harry, enragé, la pousse violemment dehors, avant que Maggie n'intervienne et ne l'aide à rejoindre son taxi. Dans la panique, Harry et Maggie se rendent compte que leur père a disparu, et Harry organise une expedition afin de le retrouver. Tous partent en direction du centre communautaire, mais Harrison ne sera jamais retrouvé.

Epilogue : Première Biennale d'architecture à Venise - 1980

En 1980, Erzsébet est décédée et une rétrospective des œuvres de László est organisée à Venise. L’exposition comprend le centre communautaire, enfin terminé en 1973, après une interruption de dix ans. Zsófia, accompagnée de sa fille maintenant adulte et d’un László vieillissant, prononce un discours soulignant la façon dont László a conçu le centre communautaire Van Buren pour ressembler aux camps de concentration qui ont emprisonné les Tóth, et qui fonctionne comme un moyen de traiter les traumatismes. Elle termine en affirmant que László lui a dit un jour : « Peu importe ce que les autres essaient de vous vendre, c’est la destination qui compte, pas le voyage. »

AA: The Brutalist is one of the greatest visions about architecture in the cinema, inviting comparisons to movies such as The Fountainhead, Sketches of Frank Gehry and Megalopolis. 

It also offers an original, even unique perspective into the Jewish experience in the 20th century, with observations and emphases that are essential and seldom evoked in the cinema. One of them is how hard life after Auschwitz could be. The survivors were not welcome. This is what I learned from Mayer Franck.

Adrien Brody's performance is great as László Tóth, the mild-mannered architect with endless patience and humility in the beginning. But during his ordeals in his American career he starts to lose his mental balance.

We gradually realize that all in the Tóth family have suffered irreversible physical and mental damage during the Holocaust, a topic that is still too enormous to discuss in the 1940s and the 1950s.

The stark, grandiose, visionary and brutalist architecture of László Tóth channels both unimaginable terror and spiritual transcendence.

Among the most memorable setpieces are a visit to Carrara, the triumphant exhibition at the first Venice Biennale of Architecture and the revelation of the Van Buren Community Center. 

Zsófia, László's niece, reminds him of what he once told her: "No matter what the others try and sell you, it is the destination, not the journey". But for all his triumphes, mentally László has stayed a prisoner for life in Buchenwald.

There is a new job title in the end credit roll: "voice conversion services". So-called AI tools from Respeecher were used to fine-tune Hungarian dialect, to refine certain vowels and letters for accuracy. It was a manual process, based on thorough rehearsals of Adrien Brody and Felicity Jones. Only Hungarian dialogue was retouched.

Shot in its entirety in VistaVision, The Brutalist is also released in 70 mm.

...

The architect Helmi Kajaste's review of The Brutalist in Arkkitehtuuriuutiset 2/2025.

Maria (2024, on Maria Callas)

 

Pablo Larraín: Maria (IT 2024) with Angelina Jolie as Maria Callas.

Wikipédia l'encyclopédie libre: "Maria est un film multinational réalisé par Pablo Larraín, sorti en 2024. Il s'agit d'une fiction sur la cantatrice grecque Maria Callas. Il se concentre sur les derniers jours de sa vie dans les années 1970 alors qu'elle vit à Paris".

Synopsis

Au cours de la dernière semaine de sa vie, Maria Callas, la plus célèbre cantatrice du XXe siècle, qui a perdu ses facultés vocales, se remémore sa carrière et sa vie, particulièrement sa relation (de 1959 à 1968) avec Aristote Onassis (1906-1975).

Elle se rappelle notamment sa rencontre avec le président Kennedy (1917-1963), dont la veuve épousera Onassis en 1968. Une autre scène la montre au chevet d'Onassis mourant, lui disant qu'il l'attendra à Athènes, après sa mort. Mais leur entretien est interrompu par l'arrivée de Jacqueline.

Maria Callas vit depuis plusieurs années recluse dans un appartement à Paris, avec un majordome et une gouvernante. Durant ces quelques jours, elle rencontre un cinéaste qui tourne un film à son sujet. Elle rencontre aussi (contre son gré) son médecin, qui l'informe de son mauvais état de santé et lui recommande d'éviter toute fatigue. Malgré cela, elle prépare une prestation.

Wikipédia:

    Titre original : Maria

    2024 Pays de production : Allemagne, États-Unis, Émirats arabes unis, Italie. Sociétés de production : Apartment Pictures, Fabula Pictures, Fremantle Media Company et Komplizen Film. Production : Jonas Dornbach, Juan de Dios Larraín et Lorenzo Mieli. Producteur délégué : Miki Emmrich

    Réalisation : Pablo Larraín

    Scénario : Steven Knight

    Photographie : Edward Lachman - Format : couleur et noir et blanc

    Direction artistique : Attila Illés

    Costumes : Massimo Cantini Parrini

    Distribution

Angelina Jolie : Maria Callas

Aggelina Papadopoulou : Maria Callas jeune

Valeria Golino : Yakinthi Callas

Haluk Bilginer : Aristote Onassis

Alba Rohrwacher : Bruna Lupoli

Pierfrancesco Favino : Ferruccio Mezzadri

Kodi Smit-McPhee : Mandrax

Alessandro Bressanello : Giovanni Battista Meneghini

Caspar Phillipson : John Fitzgerald Kennedy

Vincent Macaigne : docteur Fontainebleau

Lydía Koniórdou : Lista Callas, mère de Maria et Yakinthi

Stephen Ashfield : Jeffrey Tate

    Langue originale : anglais

    Durée : 124 minutes

    Genre : drame biographique

    Dates de sortie :

Italie : 29 août 2024 (Mostra de Venise)

États-Unis (festival) : 29 août 2024 (Telluride)

États-Unis : 27 novembre 2024

Finlande : 24 janvier 2025

France : 5 février 2025

    Vu dimanche, le 16 février 2025, MK2 Bastille (Côté Beaumarchais), 4 boulevard Beaumarchais, Paris 11e

Telluride Film Festival 2024: Made possible by a donation from Brian & Rene Hollins. Larry Gross: "With NERUDA, JACKIE, SPENCER and EL CONDE the Chilean director Pablo Larraín is established as cinema’s most masterful, unconventional biographer. Here, he contemplates the ailing opera legend Maria Callas as she seeks to return to performing. Her loving housemaid (Alba Rohrwacher) and stoic butler (Pierfrancesco Favino) try to protect her; a compassionate accompanist (Stephen Ashfield) hopes to revive her career, and an enigmatic reporter (Kodi Smit-McPhee) draws out her deepest memories. Angelina Jolie is alternately severe and witty, cruel and tender, imperious and fragile, a hypnotic blend of fire and ice, a role she was made to play. Larraín offers us tantalizing glimpses of Callas in her signature roles as Medea, Anne Boleyn and Madame Butterfly and brief moments from her tortured relationship with Aristotle Onassis (Haluk Bilginer). It’s a jewel of a film, distilled to its essence by Larraín, screenwriter Steven Knight, and cinematographer Ed Lachman, who captures Callas’ tragic passion for art and life." –LG (Germany-Italy-U.S.-Hungary-France-Greece, 2024, 122m) In person: Pablo Larraín, Angelina Jolie, Ed Lachman

AA: I see Pablo Larraín's Maria back to back after Costa-Gavras's Le dernier souffle, a film about the many ways to face the final curtain - from denial to embracing the best things in life (love and friendship) for one last time in a glorious celebration.

Maria is about denial.

In her last days, Maria Callas lives in delusion and denial. Reality and hallucination become one. She lives multiple lives: the past and the present, actuality and dreamworld. The highest order is music. She lives all her primadonna roles.

"Vissi d'arte" grows into the signature song above all: "I lived for art, I lived for love, I never harmed a living soul! With a discreet hand I relieved all misfortunes I encountered".

Flashbacks cover brutal tragedies, from childhood abuse during the Nazi occupation of Greece to the love marriage to Aristotle Onassis who required Maria Callas to discontinue her career as an opera singer. Increasingly dependent on drugs and medication, her health and voice ruined, Maria dies in her Paris apartment while her butler and housemaid are visiting the grocery store.

The performance as Maria Callas is a tour de force by Angelina Jolie. It is a shocking tragedy about ultimate solitude after a life in the spotlights of the grandest opera houses.

The production is perfect. 

Like The Red Shoes, Maria is "about art worth dying for", to quote Michael Powell. The film is full of immortal music. The selection is from the angle of "the greatest hits of the opera". But these hits are the greatest for a reason.

The focus is on tragedy. There was also a warm and funny side that we hardly see. The general overwhelming impression is the glory of music.

...

SOUNDTRACK FROM IMDB:

Otello Act 4: 'Ave Maria' (Desdemona)

Performed by Maria Callas, Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire

Conductor: Nicola Rescigno

Written by Giuseppe Verdi, Arrigo Boito

A Warner Classics Release, (p) 1964 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

I Puritani, Act 2: 'Qui la Voce Sua Soave' (Elvira)

Performed by Maria Callas, Orchestra Sinfonica di Torino della RAI

Conductor: Arturo Basile

Written by Vincenzo Bellini, Carlo Pepoli (as Carlo Graf Pepoli)

(p) 1950 Fonit Cetra, Warner Music Italia Srl

Remastered (p) 2014 Fonit Cetra, Warner Music Italia Srl

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Norma, Act 1: 'Casta Diva' (Norma, Coro)

Performed by Maria Callas, Orchestra del Teatro alla Scala (as Orchestra del Teatro alla Scala di Milano)

Conductor: Tullio Serafin

Written by Vincenzo Bellini, Felice Romani

A Warner Classics Release, (p) 1954 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

La Traviata, Act 1: 'Sempre Libera' (Violetta, Alfredo)

Performed by Maria Callas, Orchestra Sinfonica di Torino della RAI

Conductor: Gabriele Santini

Written by Giuseppe Verdi, Francesco Maria Piave

(p) 1954 Fonit Cetra, Warner Music Italia Srl

Remastered (p) 2014 Fonit Cetra, Warner Music Italia Srl

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Gianni Schicchi: 'O Mio Babbino Caro'

Performed by Maria Callas

Carmen - L'Amour Est un Oiseau Rebelle (Habanera)

Performed by Dimitris Kyriakopoulos, John Voulgaris, Nikolaos Georgedakis, Spyridon Aineias Nikas

Written by Georges Bizet

(p) Maria Film Ltd.

Happy Birthday Mr. President

Performed by Marilyn Monroe

Written by Mildred J. Hill, Patty S. Hill (as Patty Smith Hill)

(p) Fox Archives/Fox Movietone

La Wally, Act 1: 'Ebben? Ne Andrò Lontana' (Wally)

Performed by Maria Callas, The Philharmonia Orchestra

Conductor: Tullio Serafin

Written by Alfredo Catalani, Luigi Illica

A Warner Classics Release, (p) 1955 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Anna Bolena, Act 2: 'Piangete Voi?... Al Dolce Guidami Castel Natio' (Anna Bolena, Smeton, Lord Percy, Hervery, Lord Rochefort, Chorus)

Performed by Maria Callas, The Philharmonia Orchestra

Conductor: Nicola Rescigno

Written by Gaetano Donizetti, Felice Romani

A Warner Classics Release, (p) 1959 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Medea, Act 3: 'E Che? Io Son Medea!' (Medea, Coro, Giasone, Neris)

Performed by Maria Callas, Orchestra del Teatro alla Scala (as Orchestra del Teatro alla Scala di Milano)

Conductor: Tullio Serafin

Written by Luigi Cherubini, Luigi Arditi

A Warner Classics Release, (p) 1958 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Tosca, Act 2: 'Vissi D'Arte' (Tosca)

Performed by Maria Callas, Orchestre de la Société des Concerts du Conservatoire

Conductor: Georges Prêtre

Written by Giacomo Puccini, Giuseppe Giacosa, Luigi Illica

A Warner Classics Release, (p) 1965 Parlophone Records Limited

Remastered 2014 Parlophone Records Limited

Courtesy of Warner Music Group Germany Holding GmbH, a Warner Music Group Company

Why I Snort Cocaine (Giati Foumaro Kokaini)

Performed by Aggelina Papadopoulou, Erophilie Panagiotarea (as Erofili Panagiotarea), Lydia Koniordou

Written by Panagiotis Tountas

(p) Maria Film Ltd

An Ending (Ascent)

Written by Brian Eno

(c) Opal Music

Courtesy of Universal Music Publishing GmbH

(p) 2019 Virgin Records Limited - mit Freundicher Genehmigung der Universal Music GmbH

Carmen - L'Amour Est un Oiseau Rebelle (Habanera)

Performed by Aggelina Papadopoulou

Written by Georges Bizet

(p) Maria Film Ltd

Jacques Prévert: " Deux escargots s'en vont à l'enterrement " (1945 comp. Joseph Kosma, theme song of Le dernier souffle 2024)

Jacques Prévert: Paroles (FR 1946). Couverture de Brassaï.

À l’enterrement d’une feuille morte,

Deux escargots s’en vont.

Ils ont la coquille noire, du crêpe autour des cornes.

Ils s’en vont dans le soir, un très beau soir d’automne.

Hélas quand ils arrivent, c’est déjà le printemps.

Les feuilles qui étaient mortes sont toutes ressuscitées.

Et les deux escargots sont très désappointés.

Mais voilà le soleil, le soleil qui leur dit :

« Prenez, prenez la peine, la peine de vous asseoir,

Prenez un verre de bière si le cœur vous en dit.

Prenez si ça vous plaît l’autocar pour Paris :

Il partira ce soir, vous verrez du pays.

Mais ne prenez pas le deuil, c’est moi qui vous le dis.

Ça noircit le blanc de l’œil et puis ça enlaidit.

Les histoires de cercueils, c’est triste et pas joli.

Reprenez vos couleurs, les couleurs de la vie.»

Alors toutes les bêtes, les arbres et les plantes

se mettent à chanter,

à chanter à tue-tête la vraie chanson vivante,

la chanson de l’été.

Et tout le monde de boire, tout le monde de trinquer.

C’est un très joli soir, un joli soir d’été.

Et les deux escargots s’en retournent chez eux.

Ils s’en vont très émus.

Ils s’en vont très heureux.

Comme ils ont beaucoup bu, ils titubent

...

Paroles de Jacques Prévert (poème extrait Paroles, 1946)

Musique de Joseph Kosma

© MCMXLVI by ENOCH & Cie

Le dernier souffle (FR 2024)

Interprétée par Aïda Iordan et Ángela Molina

Arrangement Armand Amar

Le dernier souffle / Last Breath (2024)

Costa-Gavras: Le dernier souffle (FR 2025) avec Kad Merad (Docteur Augustin Masset) et Denis Podalydès (Écrivain, Fabrice Toussaint).

Wikipédia l'encyclopédie libre: "Le Dernier Souffle est un film dramatique français réalisé par Costa-Gavras et sorti en 2024."

Synopsis

"Le docteur Augustin Masset, chef d'un service de soins palliatifs, et l’écrivain-philosophe Fabrice Toussaint qui vient de passer un IRM échangent entre eux sur la fin de vie. Le médecin montre la diversité de réactions et d'attitude de ses patients, et l'écrivain observe les situations qui font écho à de son propre destin".

Wikipédia: Fiche technique

    Titre original : Le Dernier Souffle

    FR 2024. Société de production : KG Productions et France Télévisions. Production : Michèle Ray-Gavras, Costa-Gavras et Alexandre Gavras.

Réalisation : Costa-Gavras

Scénario : Costa-Gavras, d'après l'œuvre de Régis Debray et Claude Grange

Photographie : Nathalie Durand. Format : couleur — 2,39:1 — son 5.1

Musique : Armand Amar

Décors : Catherine Werner Schmit

Son : Julien Sicart, Daniel Sobrino, Caroline Reynaud et Claire Berriet

Montage : Costa-Gavras

    Distribution

Denis Podalydès : Fabrice Toussaint

Kad Merad : Augustin Masset

Marilyne Canto : Florence

Ángela Molina : Estrelia

Charlotte Rampling : Sidonie

Hiam Abbass : Mme Broquet

Alain Libolt : Monsieur Broquet

Karin Viard : Eléonore, la cancérologue

Agathe Bonitzer : Léa

Françoise Lebrun : Mme Léonie

Isabelle de Botton : Mme Ravier

Xavier Maly : Monsieur Ravier

Sabine Pakora : Louise

Georges Corraface : Stefan

Michaël Abiteboul : John Carroll

Jochen Hägele : Ted Cagney

Élisabeth Quin : la journaliste

Xavier Legrand : l'éditeur

Jade Phan-Gia : l'assistante du Dr Masset

Denis Mpunga : Adama

Emmanuel Hamon : Monsieur Bonfils

Émilie Raffoul-Rouleau : Mme Bonfils

    Langue originale : français

    Genre : drame

    Durée : 99 minutes

    Société de distribution : BAC Films

    Dates de sortie :

Espagne : 25 septembre 2024 (Saint-Sébastien)

France : 12 février 2025

    Vu dimanche, le 16 février 2025, MK2 Bastille (Côté Faubourg Saint-Antoine), 5 faubourg Saint-Antoine, Paris 11e

AA: The human is the only being aware of its own mortality.

Whatever our solutions in life, this fact brings a special dignity to everything.

Costa-Gavras (92) is not about to leave us, but the time is always right to think about "the life in death and the death in life".

Costa-Gavras tells about his dialogues with the philosopher Edgar Morin (103) and remembers introducing Manoel de Oliveira on his 101st birthday to a screening of L'étrange affaire Angelica at La Cinémathèque française. On the occasion, Oliveira announced his forthcoming film Gebo et l'ombre that he finished two years after.

A visit to a MRI (magnetic resonance imaging) scan reveals a tiny cancerous spot in the writer Fabrice Toussaint (Denis Podalydès) and he sets out on a quest to find out as much as possible about the final journey. 

The doctor Augustin Masset (Kad Merad), an expert in palliative care, becomes his willing guide. We see everything, from denial to facing the end as an excuse to a big party. 

There is a motorcyclist who is honoured by a mighty motorcycle parade on the hospital grounds. A Romani lady (Ángela Molina) is feasted in a passionate Romani ceremony. The scenes with families and communities gathering around the departing one are full of honesty and joy - joy about a life well lived to bring about an emotion so great. 

Le dernier souffle makes me think about The Question - Solon's answer to the question of Croesus: "who is the happiest man in the world?".

Reacting to Fabrice's anxiety about the removal of his cancerous bit, the cancerologist Eléonore (Karin Viard) bares her breast - its absence. The end of a breast is not the end of a life.

It is a pleasure to glimpse in bit roles familiar faces such as Françoise Lebrun as Mme Léonie and Charlotte Rampling as Sidonie.

Sung by the Romani community, "Deux escargots s'en vont à l'enterrement" (lyr. Jacques Prévert, comp. Joseph Kosma, 1946), with Aïda Iordan and Ángela Molina as lead singers, grows into a memorable theme song for Le dernier souffle.

...

DOSSIER DE PRESSE: LE DERNIER SOUFFLE

COSTA-GAVRAS

 « Il faut se préparer pour la fin de vie comme après une grande fête qu’est la vie, belle, aventureuse, douloureuse, décevante, ou enthousiaste, bref unique. »

L’IDÉE DE LA MORT VOUS TRAVAILLE-T-ELLE ? 

La mort ne me « travaille » pas mais elle reste pour moi un scandale inexplicable et certain. Je regarde l’horizon de la fin de vie, qui commence à m’être de plus en plus proche, avec ses précipices et son abîme. 

Ce sont des hommes comme Edgar Morin ou le cinéaste portugais Manoel de Oliveira, leur vie, leur irréductibilité qui me « travaillent ».

Avec Edgar Morin – plus de 100 ans – nous parlons cinéma et des films du passé. Il a une mémoire plus précise que la mienne, sur le cinéma comme sur les sujets sociaux et l’actualité sur lesquels ils ne cessent d’écrire avec lucidité. 

Quand il y a quelques années j’ai présenté à la Cinémathèque le cinéaste portugais Manoel de Oliveira le jour de son anniversaire des 101 ans avec ce qui était son dernier film L’ÉTRANGE AFFAIRE ANGELICA. J’avais conclu en lui proposant de venir présenter l’année suivante son prochain film. Il est venu deux ans plus tard présenter GEBO ET L’OMBRE.

Quand je ne suis pas en activité, il m’arrive d’y penser avec l’âge qui avance, inexorablement. Et avec force quand je la croise, comme avec la mort de Jacques Perrin. Il était l’avant-dernier survivant des acteurs et auteurs et musicien de Z. C’est une forte émotion qui finit par rendre serein face à l’inévitable. 

Le besoin d’une ébauche est né de la lecture du livre de Claude Grange et Régis Debray.

J’ai essayé de réaliser mes utopies et de me débarrasser de mes fantasmes et de mes terreurs en réalisant un film. 

VOUS TRAVAILLEZ TOUJOURS ÉNORMÉMENT POUR PRÉPARER VOS FILMS.  

CELUI-CI DIFFÈRE-T-IL DES AUTRES AVEC LA « MATIÈRE HUMAINE » AU PREMIER PLAN ? 

« La Matière humaine » comme vous dîtes, je l’appellerai « l’essence humaine ». Elle est la plus complexe des entités vivantes. Elle a l’âme, la raison, l’entendement et bien d’autres pouvoirs. Elle suscite une infinie complexité et à la fois une grande simplicité face aux problèmes qu’elle doit affronter. Particulièrement la fin de vie. 

J’ai commencé par revisiter des écrits de philosophes.

Vladimir Jankélévitch - j’avais suivi ses conférences dans les années 70. Edgar Morin et son livre L’homme et la mort qui m’a renvoyé à Héraclide d’Ephèse – 500 AVJC - et à sa phrase singulière : « Vivre sa mort et mourir sa vie. »

Ils sont nombreux ceux qui ont pensé la fin de vie et ont trouvé des pensées philosophiques qui semblent vouloir rivaliser avec l’originalité d’Héraclide qui, de son côté établit, bâtit même :

«  La vie n’est vraiment la vie  qu’en étant autre chose que la vie… Exaltante et risquée. Le vivant se trouve ainsi à l’origine de la culture  et devient source même de la créativité humaine ».

J’ai aussi revisité Albert Camus, Martin Heidegger et son singulier Être-versla-mort, Castoriadis sur Thanatos, et ses pensées sur les faiblesses de l’âge et sa terreur de la fin.  

Enfin Descartes et son « Je pense, donc je suis ». Avec la réflexion qu’un jour je ne serai plus, d’aucune autre manière.  

Et je suis revenu au « Dernier Souffle » avec ses histoires personnelles et eu des entretiens avec Régis Debray et Claude Grange. Le philosophe et le médecin, et leur credo sur la fin de vie.

J’ai alors écrit le scénario avec mon credo. Un credo double, intime et cinématographique. 

FAUT-IL APPRENDRE À MOURIR ? 

Sans doute.

Socrate a dit « Philosopher c’est apprendre à mourir ». Montaigne a repris « Philosopher c’est la préméditation de la mort et la préméditation de la liberté. Le savoir mourir nous affranchit à toute subjection et contraire. »

Je pourrais citer une foule de penseurs qui disent avec leurs mots la même chose. 

Or nous refusons la mort. Nous la fustigeons, nous la nions. Nous la rendons comique ou ridicule. Tout en étant intimement terrifié, épouvanté par la nôtre ou celle de nos proches.

Il y a très longtemps des proches m’avaient raconté les derniers instants de la vie d’un parent. Épouvanté, il implorait le docteur et sa famille : « Ne me laissez pas partir ».  Cela m’avait bouleversé connaissant sa force, son ironie, l’amour-propre et le sens poétique de cet homme. 

La terreur de la mort, l’absence totale de préparation conduisent au refus de l’inéluctable, au caractère de l’absolu. C’est-à-dire le refus de vivre en mortel. Cette dénégation a conduit les hommes à se convaincre que cette fin n’est que partielle. Ce qui nous différencie des animaux. Nous avons l’Esprit qui est immortel, au contraire du corps matériel et périssable. 

Avec cette certitude nous pouvons transgresser, enfreindre la logique de la nature où tout meurt.  

C’est une symbiose hystérique, délétère, dûe au refus de cette réalité humaine et pour tous. 

Ce refus contourné par toutes les religions n’a pas réussi à être accepté entièrement et à créer la sérénité. Définitivement. Et par tous. Loin s’en faut. Mais c’est un formidable refuge, digne de respect, et que je respecte. 

LE FILM MONTRE QU’EN FAIT, QUASIMENT AUCUN DE VOS PERSONNAGES NE RENONCE. CHACUN À SA MANIÈRE VEUT PARTIR DEBOUT.  C’EST LA GRANDE FORCE DU FILM…

Vouloir partir debout, c’est-à-dire avec dignité, c’est le sujet du film. 

Les soins palliatifs, chez soi ou à l’hôpital, peuvent jouer ce rôle d’aider à cette dignité. 

Les personnages du DERNIER SOUFFLE sont des hommes et des femmes qui ont existé. Je les ai aimés, souvent admirés, et cinémato-contés avec passion. 

LA FIN AVEC KARIN VIARD EST-CE UN MESSAGE ANTI-RENONCEMENT ?   

IL RESTE DE LA VIE, QUOI QU’IL ARRIVE ? VIVE LA VIE ? 

Le face à face entre la doctoresse Eléonore et le philosophe est une proposition et un contrat. Le plus noble qu’il soit : l’inviter à se battre, à lutter pour sa survie et l’aider à sortir de la solitude qui le ravage face à l’inconnu. 

C’est lui faire comprendre et accepter les abnégations, les abandons qu’il faut pour jouir malgré tout de la vie. 

L’exemple d’espoir qu’Eléonore propose à Fabrice est probant, définitif et poétique.

A Complete Unknown

James Mangold: A Complete Unknown (US 2024) with Timothée Chalamet as Bob Dylan.

Un parfait inconnu

    US 2024. Sociétés de production : Range Media Partners, Veritas Entertainment Group et The Picture Company. Producteurs : Michael Bederman, Fred Berger, Bob Bookman, Timothée Chalamet, Alan Gasmer, Alex Heineman, Peter Jaysen, Brian Kavanaugh-Jones, James Mangold, Andrew Rona et Jeff Rosen.

    Réalisation : James Mangold

    Scénario : Jay Cocks et James Mangold, d'après l'ouvrage Dylan Goes Electric d'Elijah Wald

    Photographie : Phedon Papamichael Format : couleur - 2.35:1

    Décors : François Audouy

    Costumes : Arianne Phillips

    Montage : Andrew Buckland et Scott Morris

    Distribution :

Timothée Chalamet (VF : Gauthier Battoue) : Bob Dylan

Edward Norton (VF : Damien Boisseau) : Pete Seeger

Elle Fanning (VF : Rebecca Benhamour) : Sylvie Russ

Monica Barbaro (VF : Laëtitia Coryn) : Joan Baez

Boyd Holbrook (VF : Stéphane Pouplard) : Johnny Cash

Dan Fogler (VF : Jérémie Bédrune) : Albert Grossman (en)

Norbert Leo Butz (VF : Frédéric Souterelle) : Alan Lomax

Eriko Hatsune : Toshi Seeger (en)

Big Bill Morganfield (en) : Jesse Moffette

Will Harrison (en) (VF : Aurélien Raynal) : Bob Neuwirth (en)

Scoot McNairy (VF : Igor Chometowski) : Woody Guthrie

P. J. Byrne (VF : Philippe Bozo) : Harold Leventhal (en)

Michael Chernus : Theodore Bikel

Charlie Tahan (VF : Kévin Goffette) : Al Kooper

Ryan Harris Brown : Mark Spoelstra (en)

Laura Kariuki (VF : Perrine Lislet) : Mavis Staples

Stephen Carter Carlsen : Paul Stookey

David Alan Basche (VF : Laurent Morteau) : John Hammond

Kayli Carter : Maria Muldaur

Sarah King : Barbara Dane

Michael Chernus : Theodore Bikel

Joe Tippett (en) (VF : Laurent Morteau) : Dave Van Ronk

Genre : drame biographique, film musical

Durée : 140 minutes

Sociétés de distribution : Searchlight Pictures (États-Unis), The Walt Disney Company France (France)

    Dates de sortie :

États-Unis : 10 décembre 2024 (avant-première au Dolby Theater) ; 25 décembre 2024 (sortie nationale)

France : 15 janvier 2025 (avant-première au Grand Rex) ; 29 janvier 2025 (sortie nationale)

Finlande : 7 février 2025

    Vu dimanche, le 16 février 2025, MK2 Bastille (Côté Beaumarchais), 4 boulevard Beaumarchais, Paris 11e

Officiel des Spectacles: " New York, début des années 1960. Au cœur de l'effervescente scène musicale et culturelle de l'époque, un énigmatique jeune homme de 19 ans arrive dans le West Village depuis son Minnesota natal, avec sa guitare et un talent hors normes qui changeront à jamais le cours de la musique américaine. Alors qu'il noue d'intimes relations durant son ascension vers la gloire, il finit par se sentir étouffé par le mouvement folk et, refusant d'être mis dans une case, fait un choix controversé qui aura des répercussions à l'échelle mondiale. "

" Nouveau biopic musical, Un parfait inconnu explore le début de carrière de Bob Dylan et notamment sa montée très rapide en popularité. Inspiré par Amadeus de Milos Foreman, James Mangold, réalisateur du film, a choisi de s'intéresser à cette période de la vie de l'artiste par le prisme des autres, qu'ils soient ses proches ou ses fans, et des espoirs qu'ils ont mis sur le musicien. Pour interpréter Bob Dylan, James Mangold a fait confiance à Timothée Chalamet, qui a été nommé pour le Golden Globes du meilleur acteur dans un drame en 2025. " Officiel des Spectacles

AA: I had a good time watching and listening to A Complete Unknown. I became a Bob Dylan fan as a teenager and bought a yellow-covered paperback edition of Writings and Drawings (1973), his complete poems and lyrics until that date, and added chord notations. I still cherish that copy, long since in loose leaves held together by rubber band. 

Dylan would have deserved the Nobel Prize then already. He is an exceptional songwriter but also a poet in his own right. There were longform poems on his album sleeves and poem collections independent from songwriting. My way to Dylan is to read and listen simultaneously.

The sequence in the beginning of Bob Dylan visiting Woody Guthrie at the hospital, in the presence of Pete Seeger, evokes Arthur Penn's Alice's Restaurant (US 1969), in which it is Arlo Guthrie visiting his father with Huntington's disease, the great singer now unable to speak. Both sequences are memorable and essential. In Penn's film, Pete Seeger appears in person. 

The cast is very sympathetic. Edward Norton portays Pete Seeger as the great inspirer and communicator, lifting the spirits, keeping the folk movement going. Timothée Chalamet as Dylan, Elle Fanning as Sylvie Russo, Monica Barbaro as Joan Baez, Joe Tippett as Dave Van Ronk and Will Harrison as Bobby Neuwirth are great company.

What about the drama solution? Dylan goes electric and causes scandal. The great pacifists of the folk movement are reduced to hate and violence.

Sorry. I am not a Dylanologist, but I have a hard time believing in this. The atmosphere and the circumstances are incompatible with what we know from Murray Lerner's classic documentary Festival (US 1967) covering the Newport Folk Music Festival in 1963, 1964, 1965 and 1966 and including footage of Dylan taking the electric guitar in "Maggie's Farm" with the Butterfield Blues Band. The response is enthusiastic. There is a little booing. No big deal. Did Lerner have a bias of his own? Let Dylanologists settle that. Festival is available at The Criterion Collection.

James Mangold has directed one of the best musician biopics, Walk the Line (US 2005) with Joaquin Phoenix as Johnny Cash and Reese Witherspoon as June Carter. His Bob Dylan story lacks its electrifying current, compelling drive and sense of urgency. It shares the sympathetic feature of actors performing the wonderful songs themselves.

The Room Next Door

 

Pedro Almodóvar: The Room Next Door (ES 2024) with Julianne Moore (Ingrid) and Tilda Swinton (Martha).

La Chambre d'à côté

    ES 2024

Réalisation : Pedro Almodóvar

Principaux artistes : Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro, Alessandro Nivola

Genre : Comédie dramatique

Langue de tournage : Anglais

Durée : 1h47

Date de sortie : 8 janvier 2025

Distributeur : Pathé Films

  Vu samedi, le 15 février 2025, Cinéma Saint André des Arts, Salle 3 (182 Places): 12, rue Gît-le-Coeur, 75006 Paris

L'Officiel des Spectacles: Présentation

    "Amies de longue date, Ingrid et Martha ont débuté leur carrière au sein du même magazine. Lorsqu'Ingrid devient romancière à succès et Martha, reporter de guerre, leurs chemins se séparent. Mais des années plus tard, leurs routes se recroisent dans des circonstances troublantes."

"Pour son nouveau long-métrage, Pedro Almodóvar filme une amitié qui renaît entre Tilda Swinton et Julianne Moore, alors que l'une des deux est condamnée par la maladie. « Avoir la générosité "d’accompagner" quelqu’un est une des qualités les plus bienfaisantes à l’égard d’autrui. Une qualité supérieure aux grands sentiments tels que l’amour, l’amitié ou la fraternité. Rester auprès de quelqu’un dans une complicité silencieuse, solidaire, humaine, c’est parfois le summum de ce que l’on peut faire pour les autres », explique le cinéaste."

La Chambre d'à côté : la distribution

    Réalisation : Pedro Almodóvar

    Casting : Tilda Swinton (Martha), Julianne Moore (Ingrid), John Turturro (Damian), Alessandro Nivola (Inspecteur Flannery), Juan Diego Botto (Martin), Raúl Arévalo (Bernardo), Vicky Luengo (la femme de Fred), Alex Høgh Andersen (Fred), Esther McGregor (la jeune Martha), Alvise Rigo (Jonah), Melina Matthews (Sarah), Sarah Demeestere (Stella), Anh Duong (Anh), Bobbi Salvör Menuez (Bobbi), Annika Walhsten (Fan à la librairie)

    Distribution technique : Pedro Almodóvar (scénario), Alberto Iglesias (musique), Eduard Grau (direction artistique)

    Pedro Almodóvar a écrit et réalisé La Chambre d'à côté. Précédemment, Pedro Almodóvar a aussi réalisé Strange Way of Life en 2023, L'Expérience Almodóvar en 2023, Madres paralelas en 2021 et La Voix humaine en 2020.

    La musique a été composée par Alberto Iglesias, qui avait composé auparavant la bande son des films Strange Way of Life en 2023, L'Expérience Almodóvar en 2023, Madres paralelas en 2021 et Les Repentis en 2021.

    Parmi les actrices et acteurs principaux, on a pu voir au cinéma Tilda Swinton dans Asteroid City (2023) et L'Expérience Almodóvar (2023) ; Julianne Moore dans May December (2023) et When You Finish Saving The World (2022) et John Turturro dans Pinocchio par Guillermo del Toro (2022) et The Batman (2022)."

AA: Pedro Almodóvar's latest masterpiece The Room Next Door is an innovation for him because it is an English language movie set in New York.

It belongs to the tradition of the popular play Old Acquaintance (1940) by John Van Druten, filmed beautifully by Vincent Sherman with Miriam Hopkins and Bette Davis as the two authors with a long friendship and remade as Rich and Famous (1981) with Jacqueline Bisset and Candice Bergen by George Cukor as his final movie. It ended with a hint that there might be more than friendship. Almodóvar does not pursue that.

The big twist is that The Room Next Door is also a deathbed film and an euthanasia movie. Almodóvar and his formidable actresses Tilda Swinton and Julianne Moore face the biggest theme honestly and fearlessly. In front of the final curtain no evasions are needed. 

The end is also met in great style. The Room Next Door is a feast to the eye, full of art - great art, provocative art. And design and architecture. References range from John Huston channeling James Joyce (The Dead) to Buster Keaton (Seven Chances) with some Ingmar Bergman (Persona etc.) affectionately interiorized.

Juror #2

 

Clint Eastwood: Juror #2 (US 2024) with Nicholas Hoult (Justin Kemp).

Juré n°2

    US 2024

Réalisation : Clint Eastwood

Principaux artistes : Nicholas Hoult, Toni Collette, Zoey Deutch, Kiefer Sutherland

Genre : Thriller

Titre original : Juror #2

Langue de tournage : Anglais

Durée : 1h54

Date de sortie : 30 octobre 2024

Distributeur : Warner

    Vu le 15 février 2025, Cinéma Saint André des Arts, Salle 3 (182 Places): 12, rue Gît-le-Coeur, 75006 Paris

L'Officiel des Spectacles: Présentation

"Nommé juré lors d'un procès pour meurtre, un homme découvre avec stupéfaction qu'il est à l'origine de cet acte criminel. Il se retrouve face à un dilemme moral entre se protéger ou se livrer."

"Âgé de 94 ans au moment de sa sortie, Clint Eastwood présente ce qui sera son 41e et, a priori, ultime long-métrage : Juré n°2. Déjà lauréat de plusieurs Oscars, notamment pour Million Dollar Baby, le cinéaste américain pourrait détrôner Martin Scorsese s'il était à nouveau nommé pour une récompense. En effet, il deviendrait le réalisateur le plus âgé à être nommé aux Oscars."

La distribution

    Réalisation : Clint Eastwood

    Casting : Nicholas Hoult (Justin Kemp), Toni Collette, Zoey Deutch (Ally Kemp), Kiefer Sutherland (Larry Lasker), JK Simmons (Harold), Leslie Bibb, Gabriel Basso (James Sythe), Chris Messina, Francesca Eastwood (Kendall Carter), Amy Aquino, Cedric Yarbrough, KateLynn Newberry

    Distribution technique : Mark Mancina (musique), Yves Bélanger (direction artistique)

    Avant Juré n°2, Clint Eastwood a réalisé Cry Macho en 2020, Le Cas Richard Jewell en 2019, Le 15h17 pour Paris en 2018 et La Mule en 2018.

    La musique a été composée par Mark Mancina, qui avait composé auparavant la bande son des films Vaiana 2 en 2024, Cry Macho en 2020, Vaiana, la légende du bout du monde en 2016 et Planes 2 en 2014.

    Parmi les actrices et acteurs principaux, on a pu voir au cinéma Nicholas Hoult dans Garfield : Héros malgré lui (2024) et Nosferatu (2024) ; Toni Collette dans Ruby, l'ado Kraken (2023) et Nightmare Alley (2021) et Zoey Deutch dans Retour à Zombieland (2019) et The Disaster Artist (2017)." (L'Officiel des Spectacles)

AA: Clint Eastwood is in great form in Juror #2, a sober and distinguished courtroom drama. Like Anatomy of a Fall, it confronts issues of sexual bias. Judges and prosecutors are increasingly women. Previously the bias was male. Might the bias be reversed today?

Eastwood faces the subject with nuance and complexity. The accused seems like an obvious case of toxic masculinity. But did he murder his girlfriend Kendall Carter?

The jury is almost unanimous. Only Justin Kemp (Nicholas Hoult) argues for a not guilty verdict. Another juror, retired detective Harold (JK Simmons) also finds room for reasonable doubt, and possible confirmation bias.

In the beginning of the trial Justin Kemp realizes to his horror that he himself might be the guilty one. During the rainstorm at night his car bumped into something on a narrow bridge with a "DEER XING" traffic sign. Justin stepped out of the car, saw nothing and believed he had hit a deer. Because he is a recovering alcoholic and had visited a bar before the accident, although he did not drink, nobody would believe he was sober.

Juror #2 is a suspense-filled case study, but in an original way, the greatest suspense is about the system itself, the practice and essence of justice. Juror #2 is not only about this particular verdict but about the general process of pursuing justice - truth - a better insight in the mystery of the human being. It is also about the capability to change and change one's views.

The story takes place in Savannah, Georgia. Clint Eastwood displays sympathy and affection in the life of the community. A death like this affects everybody.

L'Histoire de Souleymane / Souleymane's Story

Boris Lojkine: L'Histoire de Souleymane (FR 2024) avec Abou Sangare (Souleymane).

FR 2024

Réalisation : Boris Lojkine

Principaux artistes : Abou Sangare, Nina Meurisse, Alpha Oumar Sow, Emmanuel Yovanie

Genre : Drame

Nationalité : France

Langue de tournage : Français

Durée : 1h33

Année de production : 2024

Date de sortie : 9 octobre 2024

Distributeur : Pyramide Distribution

    Vu le 15 février 2025, Cinéma Saint André des Arts, Salle 3 (182 Places): 12, rue Gît-le-Coeur, 75006 Paris

L'Officiel des Spectacles: Présentation

"Tandis qu’il pédale dans les rues de Paris pour livrer des repas, Souleymane répète son histoire. Dans deux jours, il doit passer son entretien de demande d’asile, le sésame pour obtenir des papiers. Mais Souleymane n’est pas prêt."

"Boris Lojkine voit le cinéma comme une manière de raconter d'autres vies que la sienne. « Depuis quelques années, j’avais envie de réaliser un film sur ces livreurs à vélo qui sillonnent la ville avec leurs sacs bleu turquoise ou jaune vif, siglés de l’application pour laquelle ils travaillent, tellement visibles et pourtant totalement clandestins, la plupart sont sans-papiers », à propos de L'Histoire de Souleymane, son nouveau long-métrage. Projeté lors du Festival de Cannes en 2024, le film a remporté le Prix du jury et le Prix d'interprétation masculine, pour Abou Sangare, de la section Un Certain Regard."

"L'Histoire de Souleymane : la distribution

Casting : Abou Sangare (Souleymane Sangaré), Nina Meurisse (L'agente de l'OFPRA), Alpha Sow (Barry), Emmanuel Yovanie (Emmanuel), Younoussa Diallo (Khalil), Ghislain Mahan (Ghislain), Mamadou Barry (Mamadou), Yaya Diallo (Yaya), Keita Diallo (Kadiatou), Karim Bouziane, Amadou Bah, Sory Barry

Distribution technique : Delphine Agut (scénario), Tristan Galand (direction artistique), Boris Lojkine (scénario)

Avant L'Histoire de Souleymane, Boris Lojkine a réalisé Camille en 2019, Hope en 2014 et Les Âmes errantes en 2007.

Parmi les actrices et acteurs principaux, on a pu voir au cinéma Nina Meurisse dans Les Algues vertes (2023) et Le Ravissement (2023)."

AA: Boris Lojkine's L'Histoire de Souleymane is an outstanding piece of social realism in the genre of the thriller. It is a race against time.

Abou Sangare is excellent in the title role as the Guinean immigrant in a desperate struggle on the streets of Paris trying to make ends meet in meal delivery service, at the same time preparing for his asylum application interview.

The drama is based on the classical structure with a clearly defined goal and obstacles to overcome all the way, from traffic accidents to greedy middlemen. One accident leads to a chain reaction which endangers everything. 

The suspense is well built and sustained, and it is all relevant to the topic and the vision of our world today.

Boris Lojkine enters a great lineage - from The Crowd to The Bicycle Thieves. Like Sorry We Missed You it is one of the great stories relevant to the gig economy and the supremacy of digital tools. It also belongs to the great films about the immigrant experience and the life of the paperless in the urban jungle of the West.

It is a story of moral complexity. Souleymane uses another person's delivery account. He seeks asylum with a fabricated story. But the OFPRA officer (Nina Meurisse) sees through him and requires him to tell the true and honest story.

The often handheld camerawork on the streets of Paris conveys powerfully Souleymane's subjective perspective, his thrill and desperation.

Grand Tour

Miguel Gomes: Grand Tour (PT/IT/FR 2024) avec Gonçalo Waddington (Edward) et Crista Alfaiate (Molly).

PT/IT/FR 2024

Réalisé par Miguel Gomes

Photographie : Gui Liang, Sayombhu Mukdeeprom et Rui Poças - noir et blanc / couleur - 1.66:1 - 16 mm - Dolby Digital

Avec Gonçalo Waddington, Crista Alfaiate, Teresa Madruga, Jani Zhao, Lang-Khê Tran

Langues originales : portugais, birman, chinois, japonais, vietnamien, thaï, français

Genre : Aventure, comédie dramatique

Durée : 2h08

Sous-titres français: Melody Arauso Martini

Sortie nationale le 27/11/2024 - distributed by The Match Factory

    Vu le 15 février 2025, Cinéma Saint André des Arts, Salle 3 (182 Places): 12, rue Gît-le-Coeur, 75006 Paris

Synopsis: "Rangoon, Birmanie, 1918. Edward, fonctionnaire de l'Empire britannique, s'enfuit le jour où il devait épouser sa fiancée, Molly. Déterminée à se marier, Molly part à la recherche d'Edward et suit les traces de son Grand Tour à travers l'Asie."

L'Officiel des Spectacles: "Drame, de Miguel Gomes. Birmanie, 1918. Edward, fonctionnaire de l'Empire britannique, s'enfuit le jour où il devait épouser sa fiancée, Molly. Déterminée à se marier, Molly part à la recherche d'Edward et suit ses traces. Gonçalo Waddington, Crista Alfaiate, Teresa Madruga, Jani Zhao, Lang-Khê Tran, Claúdio da Silva."

AA: Miguel Gomes's Grand Tour is an odyssey, "an extended adventurous voyage" and "a spiritual quest", to quote dictionary definitions. It belongs to the genre of the road movie. There is good Finnish word for odyssey: harharetki, untranslatable, but meaning a "trek of delusion", which is a good definition for Grand Tour.

I have been intrigued for a long time about the cinema's obsession with the subject of the cancelled wedding, and Grand Tour is all about it. The colonial functionary Edward elopes from his fiancée Molly on wedding day, and the escape transforms into a Grand Tour of Southeast Asia (Burma, Singapore, Thailand, Philippines, Vietnam), Japan and China. Molly finds the situation comical, and starts to chase Edward.

It is the year 1918, the Great War is over. The context is the Age of Empire, still getting mightier than ever. Edward is searching for himself, but he gets increasingly lost, becoming a stranger to himself. At the same time he realizes that Europeans in general are strangers in Asia and they fail to understand the life and the cultures of Asian nations.

Grand Tour is also a travelogue. It is not story-driven, not a drama (at least not a well-made play). It rather belongs to the category of the spectacle. It also belongs to a lineage with origins in early cinema: the cinema of attractions. Grand Tour is largely built as a series of attractions, displaying quasi documentary interest in circus acts, theatrical shows (including marionette theatre and shadowplay), art forms, and musical performances of many kinds.

It is a prose poem, a film-fleuve, shot with a roaming camera, full of fascinating scenes from panda forests to Japanese monasteries (where Edward also attempts to retreat). Never boring, but I fail to find an irresistible inner drive. Grand Tour is a vision of great fatigue in a world full of mystery and enchantment.

Shot largely in black and white but with spectacular colour passages. The vividness of the 16 mm cinematography is preserved in the digital transfer.